Cineclube Jece Valadão

As Aventuras de Tintim – O Segredo do Licorne

2012-01-22T21:39:00.000-02:00

Vivi minha infância lendo as aventuras de Tintim. Na verdade lembro-me da minha mãe contando as histórias para mim porque eu ainda era muito pequeno e nem sabia ler. O Universo do cartunista belga Hergé era tão rico e empolgante que deixou lembranças até hoje no meu inconsciente. Tudo isso gerou uma grande expectativa minha neste filme. Mesmo sabendo que deveria evitar as óbvias comparações com as histórias originais, fui vê-lo com uma leve preocupação de sair do cinema decepcionado.

Decepção foi tudo o que não tive neste filme. O filme é extremamente bem feito, dirigido com preocupações voltadas para os detalhes que para a maioria podem passar despercebidos. Chamo a atenção até para os créditos iniciais que são preciosos, pois fazem uma homenagem às mais diversas aventuras do repórter.

Quando o filme realmente começa, os fãs reconhecem de cara um personagem que não está nos álbuns, mas é o mais importante para a existência de Tintim. A primeira cena onde aparece o rosto do protagonista pela primeira vez é muito bem montada. Uma forma inteligente de amenizar a comparação natural entre a versão digital e a versão original. Tintim, desenhado à mão pelo “famoso” artista de rua é mostrado como uma cópia que reflete a verdadeira imagem dos quadrinhos. Ali mostrava-se a percepção daquele artista, na verdade uma homenagem ao seu criador. Este tratamento funcionou muito bem. Com isso, Spielberg teve uma liberdade que permitiu com que Tintim não fosse um boneco de plástico com os olhos mortos, mas sim um jovem que poderia ser real, vivendo num mundo animado, bastante realístico.

Assim como na história em quadrinhos, o filme não perde tempo com apresentações e a aventura já começa nos primeiros minutos. Tintim encontra uma das réplicas do Licorne, navio que chama a sua atenção em uma feira de antiguidades. Minutos depois, a trama está montada, pois a tal réplica passa a ser cobiçada por vários interessados, demonstrando ser alvo de algum mistério.

Para quem conhece o Tintim da versão original, perceberá que o filme faz uma fusão muito bem feita de duas histórias ("O Caranguejo das Tenazes de Ouro" e "O Segredo do Licorne"). Os elementos principais foram aproveitados, resultando em uma história que faz todo sentido, que poderia tranquilamente ter sido escrita por Hergé.

O Capitão Haddock ganhou mais atenção neste filme. Os roteiristas optaram por uma versão mais parecida com a do álbum de estreia do personagem, "O Caranguejo das Tenazes de Ouro", em que ele passa a maior parte do tempo bêbado. O roteiro, na verdade, gira em torno do velho lobo do mar, que tem suas origens explicadas através da história de seu antepassado Sir François, o capitão do Licorne.

A cena da batalha naval entre o Licorne e um navio pirata é uma das mais fenomenais que eu já vi no cinema. A luta coreografada entre Sir François (capitão do Licorne) e o pirata Rackham é excepcional, bem como as transições entre os flashbacks e a narração do Capitão Haddock no deserto.

A qualidade da animação é monumental e o resultado com as crianças é maravilhoso, pois percebi que é a mesma que eu tinha na minha infância com os quadrinhos. Pedia sempre para ler de novo, de novo e de novo, até minha mãe cansar. Foi exatamente assim, quando acabou o filme, que a minha filha de 5 anos manifestou sua satisfação: Pai, podemos ver de novo?

Vencedor do Globo de Ouro na categoria de melhor animação, este filme ainda vai render muitos prêmios. Confesso que para mim, Spielberg se redimiu com este filme. Eu tinha ficado com uma péssima impressão do trabalho que tinha feito em Cavalo de Guerra. Neste filme, apesar de ser uma animação, a direção foi impecável. Não deixem de ver. Recomendo para adultos e crianças.

Por Flavio Dias (www.infinidade.com.br)

O Homem do Futuro (2011)

2012-01-15T22:55:00.001-02:00

“Todos os dias quando acordo, não tenho mais o tempo que passou, mas tenho muito tempo... Temos todo o tempo do mundo...”. Com certeza a maioria de vocês já identificou a música “Tempo Perdido” do grupo Legião Urbana. Por sinal, foi exatamente esta a sensação que tive ao ver este filme. Perdi meu tempo. Que me perdoem os “deuses” que regem a cultura nacional por achar um filme escrito e dirigido por um integrante da talentosa família Montenegro ruim. Na minha modesta opinião, achei muito ruim mesmo, contradizendo muitas críticas que andei vendo por ai.

A ousadia do diretor Claudio Torres em lançar uma história de ficção científica com o enredo que se mistura a uma comédia romântica é péssima. O público que gosta de Sci-fi é bem exigente, não aceitam muito bem qualquer lógica boba que tenta explicar aspectos técnicos, naturais nos filmes do gênero. E este filme foi uma das piores tentativas de se trabalhar com o tema “viagem no tempo”.

Claudio Torres em segundo plano

Os diálogos são bobos, sem criatividade. Os atores parecem perdidos naquela correria que se passa no dia da fatídica festa de faculdade onde Zero (Wagner Moura) é ridicularizado.

Com uma historia fraca, sobra a performance dos atores. Foi aí que me surpreendi de verdade. Vi um Wagner Moura forçado, com pouca naturalidade para interpretar um jovem bobo, gago, tímido que se apaixona pela garota mais bonita da faculdade. Bem piegas mesmo, totalmente diferente dos filmes que passaram por seu curriculum vitae. Mesmo se aventurando a fazer três personagens em um só, Wagner não me convenceu. Uma pena porque eu gosto muito deste ator.

Para não terminar esta crítica sem nenhum elogio, destaco a música “Tempo perdido” que é exibida mais de 10 vezes ao longo do filme. Na verdade, parece que só existe ela na trilha sonora. Como gosto muito de Legião, curti em cada momento que ela tocou. Foi o que consegui tirar de bom do filme, a música. Uma pena para o cinema nacional e para quem foi ver o filme, fisgado pelo apelo comercial “Wagner Moura”. Infelizmente, não recomendo nem para sessão da tarde.

Por Flavio Dias (www.infinidade.com.br)

Um conto chinês (Un Cuento Chino, 2011)

2012-01-15T11:57:00.004-02:00

Ricardo Darin e a vaca ...

O filme é muito interessante. Este foi o filme de maior sucesso no ano passado na Argentina. Uma produção singela, mas muito expressiva. Um exemplo de comédia que envolve um assunto dramático e reflexivo, mas que faz você rir bastante.

A atuação de Ricardo Darin, como Roberto, é simplesmente sensacional e bem explorada pelo diretor Sebastián Borensztein. A história é toda focada em Roberto, um pequeno comerciante de subúrbio, metódico, sozinho, rabugento, que se depara com a necessidade de conviver com um chinês que não fala uma palavra em castelhano. Perdido, em um país diferente, Jun (Ignacio Huang) precisa da solidariedade de Roberto, que mesmo a contragosto o abriga até que achem o tio que Juan veio procurar na Argentina.

Um conto Chinês é um filme que passa a mensagem de que tudo tem um sentido de ser nesta vida. Até mesmo um fato ocorrido na china, onde uma vaca cai do céu em cima de uma noiva na hora de ser pedida em casamento.

Procurem assistir este filme, pois você vai rir, refletir e principalmente se divertir com a interpretação de Ricardo Darin. Imperdível

Por Flavio Dias (www.infinidade.com.br)

Cavalo de Guerra (War Horse, 2011)

2012-01-08T21:36:00.002-02:00

Não é muito fácil criticar um filme que está sendo indicado para o Oscar. A dificuldade não vem pelo filme, mas pela expectativa que este fato traz as pessoas. Basta que a indicação seja divulgada e o conceito “deve ser bom, tenho que ver” enraíza na cabeça de quase todo mundo. E porque seria diferente com este filme? A parceria de longa data entre Steven Spielberg (direção e produção) e John Williams (produção musical) faz com que o filme ganhe pedigree para almejar o Oscar em duas fortes categorias: Melhor Filme e Melhor Trilha Sonora. Não duvido que isso possa acontecer mesmo achando que o filme não é forte o suficiente para despertar grandes conquistas.

O filme foi baseado em um romance inglês homônimo, de Michael Morpurgo, lançado em 1982 que, posteriormente, se transformou em uma peça da Broadway. Foi esta adaptação que chamou a atenção de Spielberg, que logo percebeu a oportunidade visual que poderia ser oferecida pelas belas paisagens inglesas. Ele realmente conseguiu captar a beleza de Dartmoor, onde muitas sequências do filme foram filmadas. Interessante eu ter novamente comentado sobre Dartmoor, pois recentemente publiquei uma critica sobre o filme Compramos um Zoológico, que faz referência a esta mesma região.

Cavalo de Guerra é um filme de metragem extremamente longa, de ritmo lento, características encontradas nos filmes épicos antigos. Este filme deixou transparecer o “classicismo” de Spielberg, isto para não classifica-lo como antiquado, por nitidamente ser adepto das regras tradicionais de se contar uma história. E a história agora não é sobre um ET, mas sim sobre algo mais comum, um cavalo.

Os 70 minutos iniciais contam o drama de um jovem rapaz pobre, Albert Narracott (Jeremy Irvine) que tem problemas com o pai alcoólatra e que num impulso de revolta compra um cavalo de raça inapropriado para o arado (só para ter uma vitória diante do patrão que também o desejava). Era, porém, o dinheiro que teria para pagar o aluguel da terra. Este ato insensato pode levar a família a perder tudo e ficar na miséria. Mas a salvação vem pelo filho que se torna grande amigo do cavalo (Joey), conseguindo domá-lo e numa sequencia “forçada” consegue arar um pedaço de terreno pedregoso para o plantio de nabos, salvando aparentemente o sustento da família.

Como o título do filme já denuncia, Joey vai para a guerra, no regimento de cavalaria inglês, em pleno primeiro conflito mundial. Dai para frente a narrativa passa por sequências de batalhas, sofrimento, maus tratos, o que se pode imaginar de uma época onde a cavalaria já havia perdido espaço para os fortes materiais bélicos alemães. Os cavalos realmente sofrem um bocado.

A todo o momento o filme tenta explorar os aspectos de crença, esperança e tenacidade. A tenacidade de um jovem e de seu cavalo, movidos pela devoção. Eu, particularmente, achei o filme com muita carga visual, com muitos exageros na trilha sonora, com apelos para manter o choro da plateia, mas que não me convenceu muito. Eu não me arrependi de ter visto, mas fica um alerta para aqueles que vão vê-lo em busca de um filme vencedor de estatueta. Vá ver sem muita exigência e apenas se distraia. Apesar de ser um filme passado na guerra, este é um filme que pode ser visto com a família, afinal Spielberg teve o cuidado de suavizar várias cenas que naturalmente deveriam ser bem chocantes.

Por: Flavio Dias (www.infinidade.com.br)

Compramos Um Zoológico (We Bought a Zoo, 2011)

2011-12-30T23:23:00.002-02:00

A grande surpresa do filme foi ver Matt Damon interpretando Benjamin Mee, um personagem fora dos padrões dos seus filmes de ação. Com uma boa interpretação, neste drama Matt contracena com duas estrelas de expressão. A primeira, claro que todos conhecem bem, e alguns bem até demais. É Scarlett Johansson que interpreta a jovem Kelly Foster, uma batalhadora que dedicou 13 anos de sua vida a um Zoológico quase falido. E a segunda? Ah, esta foi sensacional. Maggie Elizabeth Jones é uma estrela mirim. Com 7 anos de idade rouba a cena diversas vezes. Muito expressiva e carismática. Uma doçura de menina, filha de Benjamin e irmã de Dylan Mee (Colin Ford), um jovem atormentado pela ausência forçada da mãe e pela dificuldade de relacionamento com o pai.

A história é baseada em fatos reais. O Zoológico da vida real se chama Dartmoor Zoo Park e fica na Inglaterra. Ele foi aberto em 1968 e após um período de crise foi fechado para visitação pública em abril de 2006. A família Mee adquiriu o Zoológico em agosto do mesmo ano e após um período de reforma foi novamente inaugurado em 07 de julho de 2007 (07/07/07).

Gostei da trilha sonora e do tratamento que foi dado pelo Diretor as cenas de diálogos que envolvem Matt Damon. A trama passa por momentos alegres e tristes, pois se trata de uma história de superação. Benjamin Mee tenta a todo o momento esquecer o sofrimento e a morte prematura de sua esposa que deixou dois filhos ainda em fase de muita atenção. Ele precisa resgatar a relação com o filho pré-adolescente que se reclusa cada vez mais em um mundo próprio de sofrimento e incompreensão. Benjamin busca a aventura que mudará a vida de sua família e a tornará feliz novamente.

O filme tem um ritmo normal para um drama, mas lento para uma comédia. Apesar de ser classificado como "Livre" nos cinemas, tenho minhas dúvidas se os pequenos terão muita paciência para assistir todo o filme sem se dispersarem. O que pode atrair bastante atenção da garotada são os animais que aparecem com certa frequência na telona. Os diálogos não são longos, mas tocam em assuntos mais profundos que certamente não serão absorvidos pela geração mirim.

A distração é para a família e faz você se emocionar. Não chega a ser um filme diferenciado, mas vale a pena ver. Se você gostar de Matt Damon neste papel, saiba que virão vários outros filmes nesta linha, pois a era de filmes de correria deste ator com certeza já passou. Como ele é bem talentoso, vamos esperar com ansiedade pelo próximo drama onde contracena com Jodie Foster.

Por: Flavio Dias (www.infinidade.com.br)

Missão: Impossível - Protocolo Fantasma (Mission: Impossible - Ghost Protocol, 2011)

2011-12-30T11:47:00.000-02:00

Vou deixar de lado nesta crítica o conceito de “verdade” e “mentira”. O gênero do filme, consagrado pelos famosos filmes de 007, dá liberdade para ousar. Uma ousadia que beira o irracional, mas que alimenta muito bem de adrenalina o público aficionado pelos filmes de ação. Vou confessar que já fui ver o filme achando que iria ficar o tempo todo lamentando tamanhos absurdos. Pois é, me enganei. As situações extremas do filme são realmente impossíveis, mas com uma dose de boa vontade você não se sente ofendido em aceitar cada maluquice que Tom Cruise faz.

O roteiro do filme é bom e talvez tenha sido o melhor dos quatro. A trama começa quando o agente da IMF Ethan Hunt (Tom Cruise) é acusado de ser o líder de um atentado terrorista que explodiu o Kremlin. Exposta, a agência passa a ser desautorizada pelo Presidente Americano que põe em prática o “Protocolo Fantasma”, um procedimento que transforma automaticamente Ethan em um agente sem qualquer recurso ou apoio. Isolado, ele precisa limpar o nome da agência e prevenir o mundo de uma guerra nuclear devastadora. Para complicar um pouco mais as coisas, Ethan é forçado a assumir esta missão com uma equipe de colegas fugitivos da IMF que estavam presentes em Moscou, mas que nunca tiveram oportunidade de atuar juntos.

A fórmula de sucesso deste filme é inspirada nos filmes de 007. Um herói que não se machuca, nem sangra, muitas sequencias de cenas arrojadas, uso de equipamentos com tecnologia de ponta, uma bela mulher, belos carros e marcas fortes exploradas em merchandising. Acho que só os distraídos de plantão não percebem as marcas BMW e Apple, pois elas aparecem o tempo todo em partes importantes do filme.

Spoiler:

E se tratando de cena importante, destaco a sequencia passada no maior edifício do mundo, Burj Khalifa, em Dubai. Foram alguns momentos de apreensão quando Ethan escala o lado externo do prédio somente com a ajuda de uma luva tecnológica de alta sucção. Em contra-partida, achei ruim a existência de uma tempestade de areia nas cenas subsequentes. Ao meu ver, além de gerar confusão, empobreceu a dinâmica da perseguição ao terrorista russo.

Com passagens por Moscou, Dubai e Bombaim, o filme promove a parte luxuosa dos lugares. A fotografia não surpreende e a trilha sonora é normal. Os atores coadjuvantes são razoáveis e não comprometem por se tratar de um filme de ação, porem destaco a atuação do recém-agente de campo Benji (Simon Pegg) que dá o tom engraçado em muitas cenas.

O filme é divertido, passa rápido e vale a pena assistir. Recomendo.

Por: Flavio Dias (www.infinidade.com.br)

Roubo nas Alturas (Tower Heist, 2011)

2011-12-24T13:55:00.002-02:00

Roubo nas alturas (Tower Heist, 2011) é um filme que pode trazer interesse e criar esperança nos fãs de Eddie Murphy que imaginam o retorno do ator aos filmes de ação e comédia que tanto fizeram sucesso e o tornaram famoso na década de 80, como "Um Tira da Pesada (Beverly Hills Cop, 1984)" e "48 horas (48 Hrs., 1982)".

Se você tem essa expectativa, então cuidado porque este filme tem outro "Dono". Ben Stiller está no comando como ator principal, deixando para Eddie Murphy uma participação restrita. Não chega a ser uma participação especial, mas com certeza não é nada parecido com os filmes de sucesso protagonizados por ele. Mesmo assim, Eddie Murphy não deixa de roubar as cenas quando aparece no papel de um ladrãozinho de rua, chamado Slide.

O filme é bom, mas com certeza poderíamos achar muito melhor se não tivéssemos assistido outros dois filmes: "Onze Homens e um Segredo (Ocean's Eleven, 2001)" e "O Plano Perfeito (Inside Man, 2006)". A trama é a mesma, um grupo unido em torno de um plano para roubar algo muito bem guardado. A diferença entre eles está na qualidade do resultado. Roubo nas alturas é um filme que distrai, mas se for comparado aos outros dois, percebe-se bem suas limitações.

Em minha opinião, o diretor Brett Ratner (o mesmo dos filmes "A Hora do Rush 1,2 e 3") deixa escapar a oportunidade de dar mais peso na linha da comédia do que na linha da ação. Com os atores Eddie Murphy
e Ben Stiller contracenando no episódio do engraçado treinamento dado por Slide, percebe-se o potencial que estou falando. Eu até pensei que o filme iria por esta linha a partir daquele momento, mas foi alarme falso. Ben Stiller, no papel de Josh Kovacs, é quem direciona a maioria das cenas do filme sem nenhum brilhantismo.

Kovaks é o cérebro por trás do plano para assaltar a cobertura do milionário de Wall Street, Arthur Shaw (Alan Alda) que roubou o fundo de pensão de todos os funcionários que trabalhavam em um luxuoso prédio no centro de Manhattan, no qual Kovaks era gerente. Sentindo o desdém do milionário pelas consequências causadas a vida de cada um deles, o assunto se torna pessoal e começa, então, o plano de vingança para reaver tudo o que lhes foi roubado.

Para executar o seu "plano perfeito", Kovacs precisa da ajuda de algumas pessoas: um ex-morador do prédio, mas falido, Sr. Fitzhugh (Matthew Broderick), o ascensorista e eletricista abobado Dev'Reaux (Michael Peña), seu cunhado Charlie (Casey Affleck), a arrumadeira jamaicana especialista em arrombamento de cofres Odessa (Gabourey Sidibe) e o malandro Slide (Eddie Murphy).

O grupo tem a seu favor, além de conhecer cada parte do prédio, o fato de terem passado mais de dez anos observando os hábitos de cada morador e o funcionamento do condomínio. A complicação do plano começa quando o milionário a ser roubado passa a ficar sobe custódia domiciliar do FBI. Mas isso pode não ser problema se a agente do FBI Claire Denham (Téa Leoni), que não acredita tanto assim no "sistema", começar a ajudar.

Assistindo as cenas de ação, confesso que tive uma sensação de insegurança ao ver as tomadas vertiginosas que passam fora do prédio. As cenas são tão bem feitas que podemos sentir aquele frio na barriga quando normalmente olhamos para baixo em grandes alturas.

O filme deixa tênue o tom de crítica social, refletido pelos acontecimentos atuais do movimento Occupy Wall Street, contra a impunidade que cerca os magnatas do dinheiro.

Roubo nas alturas trás um elenco que obriga você a pensar como o tempo transforma as pessoas, inclusive eles, artistas de Hollywood. Você ainda se assusta quando vê um Ben Stiller (que um dia fez "Zoolander, 2001") de cabelos grisalhos, um Eddie Murphy cheio de Botox e um Matthew Broderick que em "Curtindo a Vida Adoidado (Ferris Bueller's Day Off, 1986)" fazia papel de adolescente e agora aparece como um velho barrigudo.

Mas isso pode ser sentido por quem tem mais de 30 anos, porque o público mais novo nem vai perceber.

Por: Flavio Dias (www.infinidade.com.br)

Intriga Internacional

2010-12-16T12:24:00.000-02:00

O Cineclube Jece Valadão apresenta nesta quinta-feita, dia 16/12/2010, às 19:30h, Intriga Internacional, de Alfred Hitchcock.

(North by Northwest, 1959)

• Direção: Alfred Hitchcock
• Roteiro: Ernest Lehman
• Gênero: Aventura/Suspense
• Origem: Estados Unidos
• Duração: 131 minutos
• Tipo: Longa-metragem

Cães de Aluguel

2010-12-08T10:37:00.000-02:00

O Cineclube Jece Valadão apresenta nesta quinta-feita, dia 09/12/2010, às 19:30h, Cães de Aluguel, de Quentin Tarantino.

(Reservoir Dogs, 1992)

• Direção: Quentin Tarantino
• Roteiro: Quentin Tarantino, Roger Avary
• Gênero: Ação/Policial
• Origem: Estados Unidos
• Duração: 99 minutos
• Tipo: Longa-metragem

*CLIQUE NA IMAGEM PARA AMPLIAR

Quanto Mais Quente Melhor

2010-09-30T17:11:00.000-03:00

Em homenagem ao falecimento do ator Tony Curtis, o Cineclube Jece Valadão apresenta hoje às 19h30 o filme "Quanto Mais Quente Melhor", do diretor Billy Wilder.

Não percam a sessão.

http://farm5.static.flickr.com/4083/5039399627_1553c9143c_b.jpg

Exposição de pintura de Felipe Mourad: O Rosto do Espírito

2010-08-24T11:57:00.000-03:00

clique na imagem para amplia-la

& Inauguração da galeria Ricardo Ferraz no Cineclube Jece Valadão

2010-08-23T16:15:00.000-03:00

Nesta quinta-feira, dia 26 de agosto de 2010, inauguraremos a exposição de arte O Rosto do Espírito, de Felipe Mourad. A partir das 19:30 h. Entrada Franca

Memória Viva na Folha do ES

2010-08-06T16:32:00.000-03:00

diagramação de Guilherme Gomes (Lemim) e foto de Natássya Carvalho

Sobre Tudo que Machuca

2010-03-06T15:57:00.000-03:00

Esta semana, o país em voga em todos os meios de comunicação, indubitavelmente, foi o Chile. O país sísmico, localizado na beirinha da placa Sul-Americana, teve, na madrugada de sábado, um dos maiores terremotos do século – catástrofe que abalou as estruturas físicas e emocionais de toda a nação. Devo dizer que, a despeito das tragédias nossas e próximas de cada dia e dos desastres de números ainda mais impressionantes (vide o terremoto no Haiti em Janeiro, incomparavelmente mais fatal, apesar de ter alcançado menos pontos na escala Richter), toda catástrofe em si tem suas proporções muito pessoais, e o drama vivido pelo Chile nos últimos dias tem me sensibilizado e desconcertado bastante. Estive lá durante todo o mês de janeiro para estudar espanhol e visitar uma amiga. Vivi durante esse tempo não exatamente o que posso chamar de uma vida de turista, mas uma rotina de santiaguense morando longe do centro, que precisava tomar ônibus e metrô todos os dias, à noite se sentava à mesa com amigos para 'charlar', saborear uma 'ensalada de palta' e aproveitar a vista dos Andes bem ali do quintal dos fundos. Essa imersão me rendeu um estreitamento de laços e uma empatia irresistível pela cidade, por onde caminhava sozinha sem a ajuda de mapas, com a simples fé de que quem tem metrô vai a Roma. Pelo menos em Santiago do Chile.

Numa dessas minhas andanças me deparei com uma loja de DVD’s – cujos preços eram bem superiores aos dos comprados no Brasil. No, gracias. Já ia seguir meu caminho quando vi um título familiar: Machuca. Era um filme ao qual já havia assistido, cerca de cinco anos antes, e que me agradara muito. Por fim resolvi comprá-lo e levá-lo como mais uma lembrança. O filme, dirigido por Andrés Wood, retrata uma Santiago às vésperas do golpe militar de setembro de 73, últimos atribulados meses do governo de Allende, marcados por passeatas e protestos de grupos de esquerda e de outros opostos ao presidente. Inserido nesse contexto está o menino Gonzalo Infante, que estuda num colégio onde se inicia um polêmico processo de inclusão de alunos carentes coordenado pelo padre reitor MacEnroe.

É nesse momento que Gonzalo conhece Pedro Machuca, e as interseções que envolvem meninos da mesma idade, ambos fãs de “El Llanero Solitario”, os aproxima de imediato, fazendo com que eles tenham contato com tudo que é comum ao outro e inédito para si mesmo: Gonzalo pode ver a negligência e a precariedade a que estão submetidos o novo amigo e sua família; e Machuca, por sua vez, conhece a vida confortável de Gonzalo – ainda que minada por dramas mal ocultados sob a fina superfície. Ambos os garotos passam por essas experiências que os tocam, mas que tendem a afastá-los à mesma proporção em que vão se conhecendo, provando a existência de abismos intransponíveis.

É interessante acompanhar os acontecimentos sob o ponto de vista de Gonzalo durante esses meses pré-golpe de estado: a ingenuidade, o sentimento de que não se entende bem o que se passa ao redor. Há na expressão grave do menino frente à confusão nas ruas, à pobreza nas instalações ilegais onde vive Machuca, ao comportamento fútil de sua mãe diante da vida, uma tristeza e incômodo óbvios, mas esse sentimento oscila em meio à incerteza e ao medo. Percebe-se, sobretudo, uma névoa que o impede de entender exatamente o que acontece naquele mundo “de adultos”, em que ele está inevitavelmente inserido, e ao qual se subjuga.

Não existem idealismos no comportamento do menino de 11 anos, senão uma enxurrada de sentimentos desencadeados por cada experiência - indo do amor ao ódio - e que governam suas ações por vezes contraditórias. Resta a certeza de um endurecimento no olhar de Gonzalo, um amadurecimento, mesmo que então mal-compreendido, vindo da dor e da desilusão do menino, que vê à sua volta os escombros do primeiro abalo sísmico de sua vida.

(Milena Paixão)

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Ficha técnica:

Título Original: Machuca

Lançamento: 2004 (Chile/Espanha)

Direção: Andrés Wood

Duração: 120 min

Gênero: Drama

SALA DE PROJEÇÃO

2009-12-17T19:23:00.000-02:00

SALA DE PROJEÇÃO DO CINECLUBE

SESSÃO ESPECIAL

2009-12-17T00:05:00.001-02:00

Em homenagem a Juarez Letaf, cinéfilo e colecionador, o Cineclube Jece Valadão organizará nesta quinta-feira uma sessão especial com os filmes “Os Brutos Também Amam” e “Narciso Negro”.

Horários:
19h – Narciso Negro
21h – Os Brutos Também Amam

“Narciso Negro” de Michael Powell e Emeric Pressburger ("Black Narcissus", Inglaterra, 1947, 100 min)
Atormentados por incertezas e desejos proibidos, cinco freiras lutam para estabelecer uma escola na desolação do Himalaia. Os elementos da arte cinematográfica estão perfeitamente fundidos pelos diretores Michael Powell e Emeric Pressburger (de Sapatinhos Vermelhos), num fascinante drama sobre o antigo conflito entre o espírito e a carne, em grandiosa locação e com magistral fotografia colorida de Jack Cardiff, Narciso Negro é até hoje saudado como um dos mais refinados e eróticos filmes já feitos. Um clássico do cinema.

“Os Brutos Também Amam” de George Stevens (“Shane”, EUA, 1953, 118 min.)
A lendária versão do mais perfeito mito do gênero western, do aclamado diretor George Stevens, fez de Os Brutos Também Amam um dos grandes clássicos do cinema americano. A história leva Shane, um errante e veterano pistoleiro, a defender uma pacata família, aterrorizada por um rico boiadeiro e seu atirador de aluguel. Ao encarar a batalha decisiva, Shane vê o final de seu próprio estilo de vida. Misterioso, temperamental e insinuante, o filme é realçado pelas intensas interpretações de seu esplêndido elenco.

QUARTA FEIRA TEM BLUES NO CINECLUBE

2009-12-14T15:57:00.000-02:00

Conforme anunciado anteriormente, iniciaremos nesta quarta-feira as sessões de Blues as 18;00, happy hour mesmo, antecipando nossos horários de funcionamento e os problemas que poderíamos ter com alguns vizinhos que adoram ligar para a polícia todas as vezes que se sentem incomodados pela alegria reinante após as 11 horas da noite.

A partir das 18 horas portanto, palco livre até as 20:00, quando iniciaremos nosso período com o The Blues do Scorcese.

Após as sessões, ainda teremos um prazo até as onze da noite para abrirmos espaço para a moderna música cachoeirense, sempre presente no Studio 27, conforme foi visto e comprovado no último sarau do Verbo Intransitivo.

Scorcese arrebentou com este documentário, composto por 08 filmes em que faz o levantamento desse movimento que deu origem a moderna música norte americana.

A sinopse completa pode ser lida neste blog, nas postagens mais antigas.

O Sarau foi o maior sucesso, mas isto já é história para outra matéria que será postada mais tarde. Parabéns a Milena e Luís Carlos pelo trabalho brilhante, e pelos participantes que consagraram a cultura e a espontaneidade da poesia e da literatura brasileira.

GUERRA DO FOGO - FILME DA SEMANA - INDICAÇÃO MATHEUS PERSICE

2009-12-09T10:24:00.001-02:00

O Cineclube Jece Valadão retorna esta semana a pré-história.

O filme Guerra do Fogo, indicação do associado Matheus Persice,é uma produção franco-canadense de 1981 e é considerado o maior - e talvez único - clássico do cinema sobre os primórdios do homem.

Didático e empolgante sobre todos os aspectos, Guerra do Fogo tem tudo para agradar aos cinéfilos que prestigiam as sessões das quintas.

HORÁRIO DE EXIBIÇÃO - 20 HORAS
ENTRADA FRANCA
O CINECLUBE JECEVALADÃO ESTÁ FUNCIONANDO NO STUDIO 27, RUA BATISTA FLUMINENSE 27.
FONES 9901 9300 - 9985 7605 - 3522 1850
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A Guerra do Fogo: a pré-história no cinema
Publicado em cinema por prill em 26 mar 2008 | 100 comentários

Ler mais em: http://blog.uncovering.org/archives/2008/03/a_guerra_do_fogo.html#ixzz0ZC6v1MHV

Uma das maiores dificuldades no ensino da pré-história para crianças e adolescentes é estimular o recuo imaginário à um tempo absurdamente remoto e nisto demonstrar que, aparentemente, pequenos eventos naquele tempo e espaço representaram mudanças drásticas no relacionamento dos hominídeos com seus semelhantes e com a natureza ao redor. Como ilustrar a pedra lascada como um avanço tecnológico à pré-adolescentes donos de gadgets que fazem tremer aos mais inovadores canivetes suíços?

É possível que muitos de nós tenham feito visitas a museus de história natural ou que tenham passado horas observando reproduções de desenhos rupestres sem fazer muita idéia do que afinal havia ali para ser visto. Que diabos tinham aqueles rabiscos de mais?

Mas, graças a professores menos ortodoxos, é igualmente possível que alguns de nós tenham tido a sorte de esbarrar na escola com o filme A Guerra do Fogo; o maior e único clássico do cinema sobre o assunto, aquele em que passou na única aula sobre pré-história em que você (quase) não dormiu. Diante da superprodução 10 000 a.C., dos mesmos produtores de Independence Day e The day after tomorow, prometedor de uma nova visão sobre a era pré-histórica (se não uma visão correta, ao menos mais empolgante), a película francesa vale aqui uma revisita.

Parece que os milênios de anos não têm sido suficientes para trazer ao interesse da cinematografia os nossos ancestrais ocupantes de cavernas; salvo ligeiras aparições ou referências como em 2001, Uma Odisséia no Espaço ou Planeta dos Macacos, o assunto tem sido sistematicamente relegado àqueles filmes típicos de meio de tarde sob títulos como "Meu amigão das cavernas", ou seja, esboços nublados de pouca intenção didática. Há ainda A Era do Gelo e umas dúzias de documentários: o primeiro peca pela superficialidade teórica necessária num desenho animado e o outro pelo excesso de erudição e pelo ritmo pouco atraente para a maioria. Mas, ainda que 10.000 a.C. tenha um orçamento milionário e enredo blockbuster realmente capaz de atrair novos interessados para o assunto, sai em larga desvantagem quando comparado ao filme de Jean-Jacques Annaud.

Lançado em 1981, numa produção Franco-Canadense, La Guerre du feu é um longa que trata de levantar hipóteses sobre a origem da linguagem através da busca de três homo sapiens para conseguirem uma nova fonte de fogo perdida por sua tribo; este, o fogo, elemento divino e tenebroso para eles. O delírio sobre como esses três guerreiros se relacionariam/comunicariam, encontrariam, disputariam e fariam interações subjetivas é a base do roteiro assinado por Anthony Burguess, foneticista e consagrado autor do livro Laranja Mecânica. Burguess faz crível as adaptações e linguagens usadas por aqueles hominídeos além de fazer compreensível toda uma história recheada de grunhidos, mamutes mal-acabados e situações que, aos nossos olhos de hoje, não parecem mais que absurdas.

Fica-nos como destaques inesquecíveis o comportamento muito peculiar dos tais guerreiros incumbidos na recuperação do fogo: há a cena em que um deles taca uma pesada pedra no outro e todos - inclusive o apedrejado, com a cabeça sangrando - têm um ataque de riso. É clássica ainda a cena em que algumas fêmeas ancestrais vão refrescar a garganta num riacho e uma delas, ali acocorada, é surpreendida sexualmente por um macho das cavernas. Bem, digo surpreendida por falta de palavra melhor, já que a tal fêmea não parece muito surpresa: os alunos vibram.

A Guerra do Fogo prossegue surpreendendo a audiência pela sensibilidade com que trata um tema tão complicado, onde povoam ainda poucas certezas e muitas teorias. Como cinema, revela, dentro da simplicidade da produção, uma narrativa poderosa onde, sem dúvidas, nos identificamos como seres dotados de grande capacidade de adaptação e cujo tempo parece tornar sempre mais intrigantes.

O DIRETOR : Jean Jacques Annaud
Jean-Jacques Annaud

Diretor, Produtor, Roteirista

Nasc: 01/10/1943 (66 anos)
Nome de Nascimento: Jean-Jacques Annaud
Cidade: Draveil
País: França

Pouco se sabe sobre a vida de Annaud, que se formou em literatura na Sorbone. E como boa parte dos cineastas franceses, ele estudou cinema no IDHEC (Institut de Hautes Estudes Cinematographiques), em Paris. A mesma escola por onde passaram Louis Malle, Alain Resnais e muitos outros diretores famosos da França. Já naquela época, ele demonstrava ter uma personalidade nada conformada, algo desafiante. Aos colegas, costumava dizer que o cinema, para competir com o poder da TV, tinha que ser espetacu... Mais...

Filmografia
Cinema
Diretor
Era uma Vez Dois Irmãos (2004) (Longa-metragem)
Círculo de Fogo (2001)
Sete Anos no Tibete (1997) (Longa-metragem)
O Amante (1992) (Longa-metragem)
O Urso (1988) (Longa-metragem)
O Nome da Rosa (1986) (Longa-metragem)
A Guerra do Fogo (1981) (Longa-metragem)
Preto-e-Branco em Cores (1976) (Longa-metragem)
Produtor
Era uma Vez Dois Irmãos (2004) (Longa-metragem)
Círculo de Fogo (2001)
Sete Anos no Tibete (1997) (Longa-metragem)
Roteirista
Era uma Vez Dois Irmãos (2004) (Longa-metragem)
Círculo de Fogo (2001)
O Amante (1992) (Longa-metragem)
O Nome da Rosa (1986) (Longa-metragem)
Preto-e-Branco em Cores (1976) (Longa-metragem)

SIDEWAYS

2009-12-03T12:22:00.000-02:00

O Cineclube "Jece Valadão", exibirá nessa quinta (03/12), 20h30

Sideways - Entre Umas e Outras
direção: Alexander Payne
atores: Paul Giamatti , Thomas Haden Church , Virginia Madsen , Sandra Oh.

Miles Raymond (Paul Giamatti) é um homem depressivo, que tenta se tornar um escritor. Miles é fascinado por vinhos e decide dar como presente de despedida de solteiro a Jack (Thomas Haden Church), seu melhor amigo, uma viagem pelas vinículas do Vale de Santa Inez, na California. Eles partem juntos na viagem, mas logo se envolvem com duas mulheres. Jack conhece Stephanie (Sandra Oh), a funcionária de uma vinícola local, que faz com que ele queira anular seu casamento, que está marcado para daqui a poucos dias. Já Miles se interessa por Maya (Virginia Madsen), uma garçonete que tem o mesmo apreço por vinho que ele.

a entrada é franca!

Blues, ilusão ou ironia ?

2009-12-03T02:52:00.001-02:00

THE BLUES

Na Inglaterra do século 18 a melancolia era mais conhecida como o demônio azul, daí a expressão “having the Blues” estar tomado pela tristeza, ou mais literalmente “estar tomado pelo azul”.
Dois séculos e alguns anos se passaram e o Blues passou a representar a fórmula musical mais importante da música americana, e que deu origem ao Jazz, ao Rhythm & and Blues, ao Rock & Roll e a quase todas outras vertentes da música americana moderna, ou cafona, como o Folk e a Country Music.
Atualmente além de se afastar da tristeza e da melancolia, o Blues é cultuado e tocado por músicos do mundo inteiro de forma alegre e ritmada, adquirindo a personalidade própria de cada país onde é executado.

Sua história porém, remonta do início do século 20, no sul dos Estados Unidos, e sua trajetória coincide com a migração negra das plantações de algodão do Mississippi até a consolidação do formato atual bluesiano moderno , em Chicago.

O sofrimento da raça negra naquela época era desumana. Recém saído de uma Guerra Civil fraticida, o país explorava os escravos recém liberados com um trabalho estafante, mal remunerado e miserável. E o Blues cantava, a tristeza, a miséria e as dificuldades dos negros.

Era um grito visceral, bastante parecido com os berros da África atual contra a miséria e a opressão que sempre imperam sobre a razão.

The Blues, um grito de socorro!

O Cineclube Jece Valadão oferece esta oportunidade aos bluesman ativos ou inativos, aos que ouvem blues sem sacar nada, ou aos que ouvem blues achando que estão sacando tudo, iludidos pelo mesmo demônio, que segundo alguns comprou a alma de Robert Johnson: o blues não é pra ser entendido !

De Ricardo Ferraz a Muddy Waters, na verdade tudo é blues...........
O grito tem de vir de dentro, não adianta ensaiar.
O grito é visceral, o ritmo é sensual, e como sempre o entusiasmo é geral..........

Tudo isso meu irmão, poderia ser blues, mas não é.]

The Blues, somente no Cineclube Jece Valadão , todas as quartas
a partir das 18 horas.

Sessões de documentários musicais nas quartas feiras

2009-11-28T21:08:00.000-02:00

O Cineclube Jece Valadão conta agora com um bar-café, e um sebo de livros - breve cds e dvds -e começa a diversificar sua atuação em outros dias da semana. A primeira sugestão oferecida por músicos e aficcionados foi acatada e muito breve iniciaremos, por indicação de Matheus Pereira, a exibição da série considerada como o melhor documentário sobre Blues feito até hoje: The Blues de Martin Scorcese

Esta idéia nos oferece oportunidade para a Programação das Quartas: Documentários Musicais, tendo como sequência a série de Jazz do crítico Ken Burns - com 5 volumes -e uma de rock, também pertencente a Matheus com 11 volumes.

Abaixo o link de onde extraímos a sinopse de toda a série:
http://www.dvdpt.com/m/martin_scorsese_apresenta_the_blues.php

MARTIN SCORSESE APRESENTA - THE BLUES

"The Blues" (2003 - 824m)

SINOPSE

Uma Viagem ao Mundo dos Blues
Com Martin Scorsese como mentor e produtor executivo, The Blues é uma série de filmes impressionistas, dirigidos por alguns realizadores de destaque do cinema mundial. Scorsese, Clint Eastwood, Mike Figgis, Charles Burnett, Marc Levin, Richard Pearce e Wim Wenders partilham a sua paixão pela música através das câmaras e captam a essência dos Blues - a sua ressonância emocional. Nesta deslumbrante viagem ao mundo dos Blues, para além da preciosidade do material de arquivo e das interpretações especialmente gravadas para cada filme, destaca-se a forma como cada realizador explora os Blues e a sua influência global, partindo das plantações de algodão do Mississipi, onde os escravos negros influenciados pelos ritmos africanos elegeram os Blues como a sua música, e estendendo-se por esse mundo fora influenciando tantas pessoas e toda a música contemporânea como o Rap, Hip-Hop, Rhythm & Blues, Soul, Country e Rock'n'Roll.
No dia 7 de Setembro de 2003, Martin Scorsese juntou vários músicos no Radio City Hall de Nova Iorque para um concerto memorável de celebração aos Blues. O filme do concerto, realizado por Antoine Fuqua, capta a emoção dessa noite mágica e presta um verdadeiro tributo aos Blues. É a oitava pérola deste colecção!
Os filmes incluem documentos raros de arquivo com actuações de Muddy Waters, Howlin' Wolf, Willie Dixon, John Lee Hooker, Bo Diddley, Eric Clapton entre outros, e ainda, cerca de 100 novas interpretações gravadas por músicos contemporâneos dos blues, incluindo B.B. King, Bonnie Raitt, Lou Reed, Tom Jones, Los Lobos, Jeff Beck e Lucinda Williams.

CONTÉM 8 FILMES:

DE REGRESSO A CASA
("Feel Like Going Home")
Em busca da origem dos Blues, o realizador Martin Scorsese viaja com o músico Corey Harris, desde as plantações de algodão do Mississipi até às margens do rio Níger, no Mali, em África.
Este documentário sobre as raízes dos Blues mostra-nos verdadeiras relíquias de arquivo bem como actuações de Corey Harris, Willie King, Taj Mahal, Keb'Mo', Otha Turner, Habib Koité, Salif Keita e Ali Fraka Toure.
Scorsese explica "Eu sempre senti uma afinidade pela música dos Blues - A cultura e as histórias narradas através da música fascinam-me e impressionam-me bastante. Os Blues têm uma ressonância emocional muito forte e são, sem dúvida, os criadores da música popular americana".

EXTRAS:
. Entrevista com o Realizador Martin Scorsese
. Filmografia do Realizador
. Trailer "The Blues"
. 6 actuações suplementares não incluídas no filme: Taj Mahal & Corey Harris: "Sitting On Top Of The World", Willie King & The Liberators: "Spoonful", Keb'Mo' & Corey Harris: "Sweet Home Chicago", Otha Turner & Corey Harris: Sitting On Top Of The World" Salif Keita: "Honeysuckle"

A ALMA DE UM HOMEM ("Soul of a Man")
Em A Alma de Um Homem, o realizador Wim Wenders analisa a tensão dramática dos Blues, entre o sagrado e o profano, ao explorar a vida e música de três dos seus artistas favoritos dos Blues: Skip James, Blind Willie Johnson e J.B. Lenoir.
Com uma parte histórica e outra de peregrinação pessoal, o filme conta a história dessas vidas de música, através de uma extensa sequência de ficção, de um arquivo de imagens raras, de documentários actuais e da reprodução das suas músicas por artistas contemporâneos, tais como: Shemekia Copeland, Garland Jeffreys, Nick Cave, Los Lobos, Eagle-Eye Cherry, Vernon Reid, James Blood Ulmer, Lou Red, Bonnie Raitt, Marc Ribot, The Jon Spencer Blues Explosion, Lucinda Williams e T Bone Burnett.
Wenders explica: "Estas músicas tem um grande significado para mim. Eu sinto que há mais verdade em qualquer uma delas do que em qualquer livro que li sobre a América, ou em qualquer filme que tenha visto. Tentei descrever, mais como um poema do que como um documentário, aquilo que me marcou mais nas suas músicas e vozes"

EXTRAS:
. Entrevista com o Realizador Wim Wenders
. Comentários Áudio do Realizador Wim Wenders
. Filmografia do Realizador
. Trailer "The Blues"
. 5 actuações suplementares não incluídas no filme: Lou Reed: "See That My Grave Is Kept Clean", Cassandra Wilson: "Slow Down", Alvin Youngblood Hart: "Mama Talk To Your Daughter", Marc Ribot: "Dark Was The Night, Cold Was The Ground" Chris Thomas King: "Revelations".

A CAMINHO DE MEMPHIS
"Road to Memphis"
O Realizador Richard Pearce traça a odisseia musical da grande lenda dos Blues, B.B. King, num filme que é um tributo à cidade onde nasceu um novo estilo de Blues. Pearce leva-nos também pela estrada aos bastidores dos Blues, com os veteranos de Memphis, Bobby Rush e Rosco Gordon. A homenagem de Pearce a Memphis apresenta actuações originais de B.B. King, Bobby Rush, Rosco Gordon, Ike Turner, Reverendo Gatemouth Moore e Little Milton, assim como inclui uma sequência de imagens de arquivo de Howlin' Wolf, B.B. King, Rufus Thomas, Little Richard, Fats Domino, The Coasters, entre outros.
Pearce explica: "Os Blues são a hipótese de celebrar uma das mais primitivas formas de arte americanas, antes que tudo desapareça absorvido, na sua totalidade, pela geração do Rock' n' Roll. Felizmente chegámos antes que fosse tarde demais."

EXTRAS:
. Entrevista com o Realizador Richard Pearce e Robert Kenner . Filmografia do Realizador . Trailer "The Blues" . 4 actuações suplementares não incluídas no filme: B.B. King: "Key To The Highway", B.B. King: "Blues Boys Tune" (Instrumental), Robert Belfour: "Done Got Old", Humbert Sumlin & David Johansen: "Smokestack Lightning"

AQUECIDO PELO FOGO DO DIABO
"Warming by the Devil's Fire"
Charles Burnett explora o seu próprio passado como um jovem rapaz que se movimenta de um lado para o outro, entre Los Angeles e o Mississipi, balançando entre um tio que adora os Blues e uma mãe que considera os Blues a música do Diabo. O filme de Burnett faz uma audaciosa mistura de histórias imaginárias com imagens documentais de um anfitrião de lendas dos Blues, num conto sobre o reencontro de um jovem com a sua família no Mississipi, em 1955, dramatizando as tensões entre a tendência espiritual do gospel e as diabólicas lamentações dos Blues.
Burnett explica: "O som dos Blues foi uma parte do meu ambiente, que eu aceitei como verdadeiro. No entanto, com o passar dos anos, os Blues apareceram como uma fonte de imagens figuradas, humor, ironia e como uma perspicácia que nos permite reflectir sobre a condição humana. Eu sempre quis fazer uma história sobre os Blues que reflectisse, não só a sua natureza e o seu conteúdo, como também aludisse à sua própria forma. Em suma, uma história que vos desse uma ideia real dos Blues."

EXTRAS:
. Entrevista com o Realizador Charles Burnett
. Comentários Áudio do Realizador Charles Burnett
. Filmografia do Realizador
. Trailer "The Blues"
. Actuação suplementar não incluída no filme: Willie Dixon: "Nervous"

PADRINHOS E FILHOS
("Godfathers and Sons")
Chamam-lhes Blues Brothers 2003 - num animado filme, conduzido por Marc Levin, a lenda do Hip-Hop Chuck D (dos Public Enemy) e Marshall Chess (filho de Leonard Chess e herdeiro da Chess Records) voltam a Chicago para explorar o apogeu dos Chicago Blues tentando criar uma produção musical que reúna os veteranos dos Blues, com os músicos actuais do Hip-Hop, tal como se fez com os Common e os The Roots. Juntamente com imagens de arquivo inéditas de Howlin' Wolf, estão actuações originais de Koko Taylor, Otis Rush, Magic Slim, Ike Turner e Sam Lay.
Levin explica: " Quando estávamos em rodagem com Sam Lay e a sua banda no Festival de Blues de Chicago, eles estavam a tocar um clássico de Muddy Waters - "I Got My Mojo Workin". Eu fechei os olhos e deixei-me transportar até aos meus 15 anos, quando me encontrava na cave de uns amigos, a ouvir a banda de Blues de Paul Butterfield pela 1ª vez. A minha vida mudou nesse dia e, 35 anos mais tarde, a música continua a mexer comigo. O sentimento desse dia foi o que revelei para concretizar este filme."

EXTRAS:
. Entrevista com o Realizador Marc Levin . Comentários Áudio do Realizador Marc Levin . Filmografia do Realizador . Trailer "The Blues" . 5 Actuações suplementares não incluídas no filme: The Electrik Mud Kats com vocalizações de Chuck D, Common & Kyle Jason: "Mannish Boy", Lonnie Brookes: "All My Money Back", Koko Taylor: "Ernestine", Otis Rush "So Many Roads, So Many Trains", Howlin' Wolf: "Evil (Is Going On)"

RED, WHITE & BLUES
("Red, White & Blues")
Durante os anos 60, o Reino Unido foi cenário de uma vibrante revolução social. Os movimentos de ressurgimento dos tradicionais temas de Jazz e Folk, no pós-guerra, espalharam as suas sementes - num solo musical fértil - criando as raízes de um novo género de Blues, inteiramente influenciado pelos originais e autênticos Blues negros dos EUA. Os músicos britânicos, no seio desta revolução musical, continuaram a prestar homenagem aos criadores da música e a formar uma enorme audiência, a nível global, consciente dos seus gostos por Robert Johnson, Muddy Waters, Howlin' Wolf, Freddie King, entre outros.
O filme de Mike Figgis é um misto de entrevistas, com artistas chave do movimento britânico dos Blues e com uma nova música de Jam Session, improvisada por um elenco de estrelas nos famosos estúdios de Abbey Road: Tom Jones, Jeff Beck, Lulu entre outras referências dos clássicos dos Blues, acompanhados por uma magnifica banda de músicos. O resultado é electrificante!
Figgis explica: " Estou interessado no porquê de haver tanta excitação sobre esta música, de origem negra, entre os europeus. Para esse fim, juntei um grupo desses músicos e acrescentei à lista alguns jovens talentos. Graças a Deus, o resultado da gravação da sessão, com algumas referências dos Blues, e as discussões que se seguiram, fizeram luz sobre a razão pela qual os blues foram re-intrepretados no estrangeiro e reintroduzido como uma forma universalmente aceite"

EXTRAS:
. Entrevista com o Realizador Mike Figgis . Comentários Áudio do Realizador Mike Figgis . Filmografia do Realizador . Trailer "The Blues" . 7 Actuações suplementares não incluídas no filme: Lulu com Jeff Beck: "Cry Me A Rive", Pete King: "Lush Life", Jeff Beck: "Nadia", John Cleary - Improvisação de Piano, Ensaio - Blues Jam, Ensaio - "Who's Sorry Now?" (instrumental), Mike Figgis - Piano Jam

PIANO BLUES ("Piano Blues")
O realizador - e pianista - Clint Eastwood explora a sua paixão de toda a vida pelos Piano Blues, usando um tesouro de actuações históricas e raras, assim como também entrevistas e actuações de lendas vivas, tais como, Fats Domino e Dr. John e o eterno Ray Charles.
Piano Blues é composto por entrevistas e actuações de Ray Charles, Dr. John, Marcia Ball, Pinetop Perkins, Dave Brubeck, Jay Mcshann, entre outros; inclui também imagens de arquivo de actuações de Ray Charles, Ottis Span, Art Tatum, Albert Lammons, Pete Johnson, Jay Mcshann, Big Joe Turner, Oscar Peterson, Nat King Cole, Martha Davis, Fats Domino, Prof. Longhair, Charles Brown e Duke Ellington, entre outros.
Eastwood explica: " Os Blues fizeram sempre parte da minha vida musical e o piano teve sempre um lugar especial. Tudo começou quando a minha mãe trouxe para casa todos os discos de Fats' Waller. A música teve sempre lugar nos meus filmes, mas o documentário Piano Blues deu-me a hipótese de fazer um filme mais directamente relacionado com o tema "música", do que qualquer outro filme que tenha feito ao longo da minha carreira."

EXTRAS:
. Trailer "The Blues"

LIGHTNING IN A BOTTLE - UM TRIBUTO AOS BLUES ("Lightning in a Bottle")
No dia 7 de Setembro de 2003, Estrelas musicais do rock, do jazz e do rap subiram ao palco do Radio City Music Hall de Nova Iorque para prestarem um tributo a uma herança e paixão comum - Os Blues.
Com a produção executiva de Martin Scorsese, produção de Alex Gibney e realização de Antoine Fuqua, o filme do concerto capta a emoção dessa noite mágica e conta a história dos blues através das actuações, das entrevistas de bastidores, ensaios e imagens de arquivo de alguns dos maiores nomes da música americana, como Muddy Waters, John Lee Hooker e muitos outros.

REALIZADORES
Charles Burnett, Clint Eastwood, Mike Figgis, Marc Levin, Richard Pearce, Martin Scorsese, Wim Wenders.

INTÉRPRETES
Nathaniel Lee Jr., Tommy Redmond Hicks, Susan McWilliams, Mya, Marcia Ball, Chris Barber, Jeff Beck, Big Bill Broonzy, Jack Bruce, Chester Burnett,Dr. Louis Cannonball Cantor, Nick Cave, Ray Charles, Marshall Chess, Eric Clapton, The Coasters, Chuck D., Jim Dickinson, Willie Dixon, Fats Domino, Lonnie Donegan, Dr. John, Clint Eastwood, Georgie Fame, Chris Farlowe, Mick Fleetwood, Roscoe Gordon, Davy Graham, Peter Green, Corey Harris, John Lee Hooker, Lightnin Hopkins, Son House, Bert Jansch, Tom Jones, Salif Keita, Don Kern, B.B. King, Alexis Korner, Little Richard, Carl Lumbly, Humphrey Lyttelton, Taj Mahal, John Mayall, Jay McShann, Joe Meek, George Melly, Little Milton, Van Morrison, Calvin Newborn, Pinetop Perkins, Sam Phillips, Lou Reed, Marc Ribot, Bobby Rush, Bessie Smith, Chris Spindel, Hubert Sumlin, Sister Rosetta Tharpe, Rufus Thomas, Ali Farka Touré, Ike Turner, Cato Walker III, Dinah Washington, Muddy Waters, Sonny Boy Williamson, Stevie Winwood.

COSTA GRAVAS - O CORTE - O FILME DA SEMANA

2009-11-16T08:43:00.000-02:00

A diversidade é a tônica do cineclube. Após passarmos dois filmes americanos - o Visitante e Fatal -, que tiveram críticas praticamente unânimes, vários documentários, e um filme nacional - A Máquina - também muito bem cotado, embarcamos nas solicitações gerais de exibirmos um filme europeu.
A primeira opção foi de um italiano antigo, Felline ou De Sica, ou um francês da Nouvelle Vague, mas como a linha atual tem sido de filmes mais modernos, até pelo perfil dos associados que tem prestigiado nossas sessões, optamos pelo mais novo de Costa Gravas, o impressionante humor negro " O Corte "
Abaixo uma das críticas que baixamos da net. Infelizmente o blogspot travaou a postagem das imagens e não estamos conseguindo destravar.

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"Se você gosta de cinema europeu, não pode perder 'O Corte', do polêmico diretor Costa-Gravas ('Amém' e 'Z'). No filme, um executivo que está desempregado há dois anos decide matar o atual ocupante de seu antigo cargo e também todos aqueles que possam ocupar o emprego.
Com roteiro do próprio Costa-Gravas e Jean-Claude Grumberg, 'O Corte' não foge à linha que consagrou o diretor que sempre apresenta obras polêmicas e de forte conteúdo político e social como 'Z' e 'Amém'.

Neste filme, a narrativa explora várias situações de humor negro em várias situações de suspense, numa metáfora bizarra para a atuação condição
competitiva no mercado de trabalho no chamado mundo desenvolvido.

O filme recebeu duas indicações ao César, nas categorias de Melhor Ator (José Garcia) e Melhor Roteiro Adaptado."

Elenco: José Garcia como Bruno Davert
Karin Viard como Marlène Davert
Geody Monfils como Maxime davert
Christa Theret - Betty Davert
Olivier Goumet como Raimond Machafert
Frase do filme( dita por Bruno Davert):-"Software bóia ?"

Fonte http://www.portalorm.com.br/blogdaredacao/

"A Máquina"

2009-11-11T14:54:00.001-02:00

Nessa quinta(13/11), o Cineclube exibirá o filme nacional "A Máquina"

direção: João Falcão
roteiro:João Falcão e Adriana Falcão, baseado
em livro de Adriana Falcão e em peça teatral de João Falcão
produção:Diler Trindade
música:DJ Dolores, Chico Buarque e Robertinho do Recife
fotografia:Walter Carvalho
direção de arte:Marcos Pedroso
figurino:Kika Lopes
edição:Natara Ney

Karina (Mariana Ximenez) é uma jovem que sonha em sair do interior e conquistar o mundo como atriz. Na luta para convencer o seu grande amor, o simples lanterneiro Antônio (Gustavo Falcão) larga a tão pacata Nordestina, em busca do desejado “Mundo de Karina”.

As cenas mais hilárias do filme são as de Antônio em seu primeiro contato com o mar, e quando vai a um programa de TV, confessando que fará uma viagem ao futuro e que caso não consiga, será cortado com uma máquina que contém mais de setecentas lâminas. O fato toma grande proporção, chamando a atenção da mídia mundial para a cidadezinha do sertão.

O cenário é lindo, os diálogos retratam bem as gírias do nordeste e a simplicidade desse povo.

Um filme que fala da loucura feita em nome do amor, que desafia o tempo e a razão.

O nome Karina é mera coincidência!

KARINA PEIXOTO INDICA O FILME DA SEMANA - SESSÃO DAS 21;30

2009-11-11T14:54:00.000-02:00

O filme dessa semana, da sessão das 21:30 do cineclube é - A Máquina - indicação de Karina Peixoto, uma produção brasileira de João Falcão.

Infelizmente nosso blog deu uma pane técnica e não estamos conseguindo postar os cartazes do filme, mas esperamos resolver brevemente este impasse.

Semana que vem tem a inauguração do primeiro andar do cineclube onde funcionará uma livraria para locação de livros para os associados, bem como um café/bar e no futuro uma sala de exposição permanente.

aguardem.

CHUVA FINA - INÍCIO DAS ENTREVISTAS

2009-11-05T00:45:00.000-02:00

Conseguimos hoje trazer ao estúdio os dois idealizadores do Grupo Chuva Fina, Stefano Fabris e Alessandra Biato.

Nosso objetivo é programarmos a filmagem de um ensaio deles com os amigos do Cineclube e do Studio 27, antes mesmo da inauguração do Sebo do Cineclube, previsto para a primeira quinzena de novembro.

A grande sacada do Projeto Chuva Fina é a alternância de seus componentes, todos fans e especialistas na obra de Sergio Sampaio. Com Stefano e Alessandra já tocaram vários músicos em momentos diversos.

Vamos ver se conseguiremos juntá-los nesse dia em que o Cineclube promove mais uma rodada do Projeto Memória Viva.

CHUVA FINA,

GAROA DE NOVEMBRO

STEFANO E ALESSANDRA,

E DEMAIS COMPONENTES,

CONVIDAM PRA CONHECER

ESTA "INÉDITA" DE SERGIO SAMPAIO

QUE NA VERDADE

NEM O PRÓPRIO SAMPAIO

CONHECIA MAIS....

FATAL

2009-11-01T12:41:00.000-02:00

O CINECLUBE ESTÁ MUDANDO,

AUMENTANDO O NÚMERO DE EXIBIÇÕES E

CRIANDO PROGRAMAS E SESSÕES

ESPECIAIS PARA "MALUCOS" DE TODOS

OS GOSTOS.

BREVE TEREMOS SESSÕES ESPECIAIS AS QUARTAS FEIRAS,

INICIANDO COM PROJETOS QUE PRIVILEGIARÃO OS

GRANDE DIRETORES.

GODDARD, FELLINE, TRAUFAUT, BERTOLUCCI, ALLEN, ALTMAN, ETC, TODOS TERÃO SEUS FESTIVAIS NAS SESSÕES ALTERNATIVAS DAS QUARTAS.

INDIQUE O SEU PREDILETO QUE CORREREMOS ATRÁS DO FILME.

ALÉM DISSO A PARTIR DO MES DE NOVEMBRO, TEREMOS SESSÕES EM HORÁRIOS ALTERNATIVOS, COM LOTAÇÃO MÍNIMA DE 10 PESSOAS.

RESERVE SEU FILME, JUNTE SUA TURMA E AGENDE COM O CINECLUBE.

DESSA FORMA AS EXIBIÇÕES CONTARÃO COM UM PÚBLICO

QUE COMUNGUE OS MESMOS GOSTOS E PADRÕES CINEMATOGRÁFICOS.

__________________________________________________________________________

ISSO TUDO AÍ DE CIMA SEM INTERROMPER NOSSA PROGRAMAÇÃO HABITUAL DAS QUINTAS FEIRAS, AGORA PROLONGADA COM A SESSÃO DAS 11 HRS DA NOITE, INTITULADA SESSÃO POESIA, PARA CUJA COORDENADORIA INDICAMOS A POETISA MILENA PAIXÃO, QUE ATÉ AGORA NÃO ACEITOU O CARGO.......

INDICAÇÃO DA SEMANA

SESSÃO POESIA

Fatal
A beleza está nos olhos de quem a vê.
Ano:
2008
Título Português:
Fatal
Título Original:
Elegy
Direção:
Isabel Coixet
Elenco:
• Penélope Cruz• Ben Kingsley• Dennis Hoper• Patricia Clarkson
Duração:
113 min.

Antes de qualquer comentário sobre o filme - Elegy - acho que temos de citar o livro em que foi baseado -The Dying Animal - e seu autor Philip Milton Roth .

Roth (Newark, Nova Jersey, 19 de março de 1933) é um romancista norte-americano de origem judaica, considerado um dos maiores escritores norte-americanos da segunda metade do século XX. É conhecido sobretudo pelos romances, embora também tenha escrito contos e ensaios.

Entre as suas obras mais conhecidas encontra-se a colecção de contos «Goodbye, Columbus», de 1959, a novela «O complexo de Portnoy» (1969), e a sua trilogia americana, publicada na década de 1990, composta pelas novelas «Pastoral Americana» (1997), «Casei com um comunista» (1998) e «A Mancha humana» (2000).
Muitas das suas obras reflectem os problemas de assimilação e identidade dos judeus dos Estados Unidos, o que o vincula a outros autores estado-unidenses como Saul Bellow, laureado com o Nobel de Literatura de 1976, ou Bernard Malamud, que também tratam nas suas obras a experiência dos judeus estado-unidenses.
Grande parte da obra de Roth explora a natureza do desejo sexual e a autocompreensão. A marca registrada da sua ficção é o monólogo íntimo, dito con um humor amotinado e a energia histérica por vezes associada com as figuras do herói e narrador de «O complexo de Portnoy», a obra que o tornou conhecido.
Recebeu o Prêmio Pulitzer na categoria de ficção por Pastoral Americana em 1998. É conhecido sobretudo por seu alter-ego, Nathan Zuckerman protagonista de diversos de seus livros.

FONTES WIKIPEDIA

ATENÇÃO - voce encontra no sebo do Cineclube Jece Valadão tres livros de Roth "para empréstimo":
Goodbye Columbus,
Casei-me com um comunista e o
Teatro de Sabath
_______________________________________________________________________________
AGORA UMA CRÍTICA MUITO BEM FEITA SOBRE ESTE FILME,

FATAL - Filme com Penelope Cruz e

Ben Kingsley
Por Luiz Felipe Nogueira de Faria
http://www.nossadica.com/fatal.php

• Uma reflexão sobre o tempo. O filme de Isabel Coixet, adaptação do romance de Phillip Roths, traz como principal protagonista esse cruel e inevitável componente da experiência humana. Seja pelas questões suscitadas pelo passar do tempo e seus efeitos visíveis no corpo e na maneira de encarar a vida – isto é, envelhecimento -, seja pelo desconcerto que um acontecimento que não se encadeia na linearidade de uma história provoca, produzindo uma temporalidade que não mais se identifica (e/ou reduz) ao tempo cronológico – no caso, uma paixão amorosa -, o convite do filme é claro: testemunhar o encontro do humano com o tempo, especialmente com aquilo que concretiza a sua finitude: a morte. Nesta estrada, por vezes tão dolorida, caminham os personagens, entre aturdidos e esperançosos, cínicos e críticos, grandiosos em sua ousadia e apequenados em pequenas covardias. E não se trata de retomar velhos clichês sobre a relação homem-mais velho-experiente-liberado e mulher-jovem-linda-descolada. Tanto nas imagens quanto nos diálogos não há concessões ao politicamente correto nem aos psicologismos de ocasião. Não, a aposta é outra.

Elegy diz de um sentimento de pesar pela morte de um outro querido. Ao acompanharmos o desenrolar da trama (por sinal muito bem trabalhada, sem antecipações desnecessárias ou explicações gratuitas, o que respeita a inteligência do espectador) vamos aprendendo que este sentimento pode também ser devotado ao si próprio, em situações inesperadas, sobretudo aquelas que clamam por uma urgente transformação das certezas e comodidades com que apaziguamos nossos clamores. É assim que o professor David Kepesh, tido como hedonista e libertário, crítico contundente da monogamia e dos ideais mais conservadores, se vê capturado pelo ciúme e pelas mais aterradoras fantasias de abandono por parte de sua linda aluna, Consuela Castillo. A partir daí um mar de questões turbulentas irão conduzi-lo a rever, ao menos em parte, seu modo de viver e codificar as relações. Não sem angústias e horrores.

Ao mesmo tempo, observamos outros encontros de David, com o amigo George e com a amante “ideal” Carolyn. Com cada um deles Davis troca confidências e idéias que parecem estar mais adequadas ao tempo, ao seu tempo, velho homem (com amarguras inegáveis, inclusive a de um relacionamento coberto de mágoas com o filho) Mas qual a temporalidade que o habita quando se trata de amar e adorar o corpo de Consuela? Caminhando simultaneamente em tempos heterogêneos, aquele que destaca suas rugas, desencantos com o casamento, e até mesmo, seu distanciamento crítico no tocante às ilusões amorosas, e aquele em que se descobre excessivamente jovem (mais do que sua parceira) e menino, o professor seguro e conquistador se depara em ambos com a figura da morte. O que é mais interessante: ela não tem uma aura negativa, a não ser quando David tenta negar a afetações e fugir dos acontecimentos.

Já com Consuela, as coisas se passam de outro modo: ela é efetivamente jovem e bela. Porém, não se curva diante das evidências dos códigos do senso comum e assume o romance com o parceiro. A ponto de convocá-lo para algo mais, digamos, formal. Aí outros tempos se farão para ambos...

Convocado para ver “Elegy” por uma amiga, cinéfila sensível e atenta aos efeitos do cinema (dito) “cabeça”, vi-me repentinamente testemunhando uma espécie de êxtase, tal a profusão de cenas de grande intensidade e beleza. A plasticidade das imagens, a precisão da fotografia em captar os vários tons e cores que denotam as passagens de estados e tempos, além do vigor na captura sensível das formas de Consuela (elemento fundamental na trama) são de tirar o chapéu! Além disso, quando se trata de captar em Carolyn e George as marcas corporais do envelhecimento, isso é feito com um apuro e um respeito tais que as questões que por si só já se colocam na visualização dessas figuras não perdem a força. Os diálogos são tensos, claro, mas um certo humor trágico os atravessa. A crueldade do humano e de sua existência não é atenuada, mesmo nas seqüências finais, com todas as reviravoltas que se operam. Contudo, resta a marca da solidariedade, não aquela, hipócrita, que reivindica o reconhecimento e o elogio, mas a real e sincera que se apóia no erotismo, dos corpos e dos corações.

As atuações do elenco estão ótimas. Ben kingsley (David) consegue produzir uma interpretação sem estereótipos e com a densidade adequada quando se trata de localizar as passagens do tempo e lugar no personagem; Penélope Cruz, além da beleza estonteante, comparece com uma composição repleta de nuances afetivas, o que torna sua Consuela tão desconcertante para nós quanto para seu partner. Nas cenas finais seu desempenho é excepcional. Do mesmo modo, Dennis Hopper (George) faz na medida certa o amigo cínico, crítico, desconfiado e absolutamente necessário, espécie de alter ego de David. Afetivo e insinuante, George deixas marcas que funcionarão permanentemente. Patricia Clarckson, a amante-confidente e Peter Sargaard, o filho que repete a história, apesar de todas as críticas ao pai, estão muito bem. A direção prima em evitar os recursos fáceis das exclusões binárias, buscando se voltar, com romantismo e acidez, para as várias dimensões de cada ato e afetação, destacando as mutações que põem fim (um destino da morte) a uma certa continuidade dos fatos da vida e as situações que inauguram (outro destino da morte) novas emergências, outros Eus. Não bastasse tudo isso, somos brindados com lindas músicas, de grandes compositores.

É um filme muito bonito, mesmo. Vá conferir o quanto antes

Quinta-feira Democrática no Cineclube

2009-10-29T18:39:00.000-02:00

Nessa quinta (29/10), os cinéfilos escolhem na hora, através de
uma votação, a obra a ser exibida.
Confira abaixo as opções indicadas:

-Vicky Cristina Barcelona ( direção Wood Allen)tem no elenco Javier Bardem, Scarlett Johansson, Penélope Cruz e Patricia Clarkson. O filme obteve o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante (Penélope Cruz).
Indicação do jornalista, Marcos Leão.
- À Prova de Morte (Death Proof, EUA, 2007 - 01 hs 53 min) conta com a atuação do próprio diretor Quentin Tarantino, além da de Kurt Russell, Zoe Bell e Rosario Dawson.
Filme indicado pela estudante, Tatiana Neves.
Esperamos todos!

ASSÉDIO - INDICAÇÃO OU INDICIAÇÃO ?

2009-10-17T15:10:00.000-03:00

Este filme foi indicado pelo oficial de justiça, que trouxe
uma ordem judicial assinada por FÁTIMA SOARES acusando,
digo, indiciando, aliás, indicando o Cineclube de não ter
exibido ainda o filme mais belo de Bertolucci : ASSÉDIO.

ASSÉDIO é um poema em forma de cinema.
Bertolucci, tece a trama do professor de piano
com a imigrante africana com mão lírica e olhar de
intensa paixão - pela música, pela arte, pelo cinema,
por Roma e pela arquitetura dos "pallazos" italianos.

Os detalhes do Steinway de cauda, das escadarias
e ruelas romanas, das obras de arte do pallazo,
das cantinas e botequins italianos, contrastam com
a música africana que ecoa do rádio do quarto da imigrante.

Bertolucci é considerado por muitos como o mais
perfeito cineasta italiano.
Nós do fan-clube Woody Allen/Scorcese/ Bertolucci,
não abrimos mão de dizer que até entre
estes tres, Bertolucci é o melhor.

Woody Allen tem umas coisas vergonhosas no início da carreira.
Filmes que perderam a graça e foram muito afetados pelo tempo.

Scorcese tem uma obra quase perfeita, mas várias vezes teve
de ceder a alguns padrões hollywodianos meio desfigurantes.

Bertolucci, em sua obra chega perto da perfeição.
De seus primeiros filmes políticos, aos últimos autobiográficos,
todos tem a excelência em todos os aspectos: fotografia, música,
poesia, política, crítica, lirismo.......e acho que em um deles até em
porrada.

Para o gáudio do fans de Bertolucci assinamos a ordem judicial,
oferecemos um cafezinho ao oficial de justiça,
e vamos exibir nesta semana caso ele seja encontrado em alguma
locadora da cidade, o ASSÉDIO DE FÁTIMA, desculpem, de BERTOLUCCI.....

PS Quem tirver maiores informações sobre o Assédio,
contate Ancila Zanol - na delegacia da Mulher,
ou a turma do cineclube Jece Valadão atraves deste blog desordeiro,
ou pelo email: cineclubejecevaladao@hotmail.com

PS 2 - Parece que Lemim resolveu o problema e já disponibilizou
o filme, através de sua vasta videoteca....valeu Lemim.

Apocalypto.....Now.....

2009-10-16T05:20:00.000-03:00

O filme de Lemim foi do "carai",

só que alguns estômagos sensíveis não se entusiasmaram

com os sacrifícios que o mundo Maia teve de inventar

para enfrentar o bicho homem, o pior predador da humanidade.

O barbarismo humano que remonta aos dinossauros,

vem sendo aperfeiçoado
pelos hunos, romanos,

e pela genialidade com que o ser humano tem para exercer o mal

Na verdade este filme nos faz comprovar

que quem tem razão é sempre o poeta.

Vinicius já apregoava :

O homem não presta, meu Deus, não presta.......

abaixo fotos da sessão.....

LEMIM INDICA O FILME DA SEMANA, NA SESSÃO DAS QUINTAS.

2009-10-14T01:03:00.000-03:00

Pessoal ,

o filme da semana é Apocallypto

de Mel Gibson.

A indicação é do Lemim, fator inteligente da escolha.

Pra quem não conhece,

queremos lembrar que o

barato da coisa é a diversidade de gostos e escolhas.

Vamos prestigiar Lemim,

parceirão de fé, irmão camarada.

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Já está sendo montada a programação mensal
do Cineclube, e temos pistas de algumas
indicações futuras::

- Milena Paixão - Almodovar, com certeza -

- de Alcimar Apaixonado - Fellini é claro -

-de Diego Scarparo Recentemente Apaixonado:
um HQ da década de 40, com Batman barrigudo
e Robim de hemorróidas -
- de Magnus Machado - Eiseistein em P&B - sem
legendas.
- de Diego Esquisito - um filme de reggae passado
na Jamaica. Sem tragar é claro....
- de Gil Leão - um filme de surf, inédito no Brasil,
com todos os surfistas usando relógios de R$ 3.000 dólares.
- de Marcos Leão - um filme de surf passado no Geredys,
com todos os surfistas usando relógios de arrastão.
- de Rumbhat Ntamba - um filme de bongô com final
de novela da Globo.
- de Beto Souza - um filme americano da década de
50 com figurino da Edith Head e música de Max Kleiner.
- de Fernando Gomes - um filme de Ruy Guerra, com
roteiro de Glauber Rocha, montagem de Flaubert
e narração de Machado de Assis.
- de Villinevy - um filme de prisão, passado no nordeste,
em que todos os protagonistas se consideram filhos do Conselheiro.
- de Bassul - um filme de culinária, em que todos comem e bebem
de graça - o tempo todo durante duas horas, sem parar.

Estamos portanto bem arranjados, venham nos ajudar nas sessões lúdicas,
ou seja Jerry Lewis com Dean Martin fazendo os protagonistas
e Felipe Mourad atuando como "circus clown".

Hasta manãna

Apocalypto

2009-10-12T21:23:00.000-03:00

2009-10-07T10:39:00.000-03:00

quando a segunda vira sexta,

não tenho dúvidas de que a terça

segunda será, mas, em compensação,

com um pouco de boa vontade,

quem sabe a quarta passe a

ser sábado.....

parece sofisma de chinês, em idioma

transverso,

mas a diretoria do cineclube

entende e aprova

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Esta semana assistiremos ao " O Visitante",

um filme que foge bastante ao esquemão

porradas e fraturas expostas do cinema americano atual.

Pra quem gosta de música, Fella Kutti, Bach, Parker,

Thelonius, e o incrível "Círculo do tambor de Nova York",

além de um incrível passeio pelos parques da maior cidade do mundo.

Belíssimo.

Martha Medeiros

2009-10-04T00:33:00.000-03:00

Há algum tempo Martha Medeiros encanta os leitores da Revista do Globo aos domingos.
Sensata, esperta, lúcida, suas palavras sempre caem bem.
Estive lendo outro dia um de seus primeiros livros e ela, fan de Woody Allen de carteirinha,
está elogiando muito um filme lançado em 1998: Próxima parada Wonderland.
Até agora não encontrei este DVD nas locadoras de Cachoeiro, e queria recomendá-lo
para uma sessão do cineclube.
Quem tiver o filme e quiser emprestá-lo é só nos contatar através deste blog.
Abaixo a sinopse do filme extraído da Net:

http://www.terra.com.br/cinema/comedia/wonderland.htm

Desencontros amorosos marcam Próxima parada, Wonderland

Erin tem um romance com um brasileiro, ao som de Tom Jobim e Astrud Gilberto
Destaque na 22ª Mostra Internacional de São Paulo Próxima Parada, Wonderland, de Brad Anderson, coloca os desencontros amorosos como motor da trama.
Depois de anos de convivência, a enfermeira Erin (Hope David) chega em casa e descobre que o namorado Sean (Philip Seymour Hoffman) está com o carrolotado, pronto para abandoná-la. Antes que Erin consiga se adaptar à perda do cobertor de orelha na gélida Boston, sua mãe (Holland Taylor) coloca um anúncio nos classificados amorosos de um jornal, louca para arranjar um pretendente mais vantajoso para filha.
Erin decide responder e começa a sair com dezenas deles, apenas para descobrir como são inadequados e, muitas vezes, calhordas. Erin acaba se envolvendo com Andre (Jose Zuniga), um brasileiro que lhe traz recordações da infância no Brasil e tenta convencê-la a acompanhá-lo ao Rio de Janeiro. Do outro lado da cidade, o ex-encanador Alan (Alan Gelfant)sonha em se tornar biólogo marinho, enquanto lida com uma série de problemas pessoais. O acaso se encarrega de reunir as histórias paralelas, ao som de Bebel Gilberto, Elis Regina, Tom Jobim (Desafinado) e Astrud Gilberto (Corcovado).(Cássia Borsero)

Título Original:Próxima Parada, Wonderland

País de Origem: EUA
Ano: 1997
Duração: 104min
Diretor: Brad Anderson
Elenco: Hope Davis, Alan Gelfant, Victor Argo, Jon Benjamin, Cara Buono, Larry Gilliard Jr., Phil Hoffman, Jason Lewis, Roger Rees.

O VISITANTE

2009-09-30T23:49:00.000-03:00

INDICAÇÃO DA SEMANA
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O VISITANTE

Um filme sensível,
grandes atores, músicas
clássicas e africanas ( Fella Kutti),
a história vista pelo lado dos imigrantes,
sempre enfocados como réus ou vilões nas produções americanas.
Este filme mostra um lado, ainda que meio tímido, do drama dos ilegais,
principalmente depois de 11 de setembro.
Filmaço, principalmente se assistido ao lado de um bongô......

"O Visitante" é um drama sensível sobre uma alma que sai de si e desperta para a vida através da amizade e da música. A trilha sonora enfatiza a mudança de espírito do professor. Um piano clássico acompanha Walter em Connecticut, integrante da comunidade americana, discreta, tradicional. O ritmo da batucada do djembê, tambor africano, anima as cenas de Nova Iorque, vividas junto aos amigos imigrantes, Tarek, Zainab e Mouna. Os quatro protagonistas estão excelentes, destacando-se Richard Jenkins como o antes contido Walter, agora entregue a uma nova paixão.

Diretor: Thomas McCarthy
Roteiro: Thomas McCarthy
Música: Jan A. P. Kaczmarek
Fotografia: Oliver Bokelberg
Elenco: Richard Jenkins, Hiam Abbass, Haaz Sleiman, Danai Jekesai Gurira.

DICA DE ROBERTO PIMENTEL

2009-09-30T14:26:00.000-03:00

Essa matéria foi enviada para o blog pelo nosso amigo de Vitória,

Roberto Pimentel - poeta, escritor e intelectual engajado em todas

as formas de manifestação artística- , que em breve estará nos prestigiando

em uma das sessões do cineclube.

Valeu amigo Pimena

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Mostravídeo

A Mostravídeo deste mês apresenta obras audiovisuais experimentais, escolhidas por Ivana Bentes, que propõem uma reflexão sobre as imagens que se tornam formas pensantes, dotadas de afeto, pensamento e corpo, e não têm apenas o papel de representação.

Em Vitória, no dia 23 de outubro, a curadora Ivana Bentes faz uma palestra para apresentar o tema e os programas da mostra.

No blog Mostravídeo, você pode conferir a programação, além de saber mais sobre as obras e deixar suas impressões. Acesse!

entrada franca

Cine Metrópolis

Avenida Fernando Ferrari s/nº

informações 27 3335 2376

Primeira Conferência Municipal de Cultura

2009-09-27T20:02:00.000-03:00

Então, vamos fazer nossa reunião na próxima terça-feira dia 29 de setembro às 20:00, no Espaço Cultural Studio 27, localizado na Rua Baptista Fluminense, 27 - centro.

favor mandar para esse e-mail idéias para montarmos a proposta.

em anexo segue o cartaz do que será a pré-conferência municipal.

abração!

Villinevy Koppe Robbi (28)81118082

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VERBO INTRANSITIVO

2009-09-25T00:28:00.001-03:00

CONVITE TRANSCRITO DO BLOG DE MILENA

Amigos,
No dia 01/10 estaremos realizando a segunda edição do sarau Verbo Intransitivo, no Mourad's. Todos estão convidados, pra gente festejar a vida e a poesia - aproveitando a ocasião pra retomar nossos encontros do Encuca.

Microfone aberto pra quem quiser interpretar, ler, mandar beijos pra alguém.
Tragam seus textos e fiquem à vontade!

Ah, e haverá ainda a participação especialíssma do Chuva Fina :)

Abraços,
Milena

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CONVITE FEITO PELA TURMA DO CINECLUBE

Neste dia
o cinema se rende
a poesia,
ao mundo lírico,
e sai para abraçar
em transgressão
Intransitiva,
a deliciosa
comida árabe
do Mourads.

Com sujeito
ou sem sujeito
Estaremos lá.......

P.S. NESSE DIA NÃO HAVERÁ SESSÃO NO STUDIO 27

Milena Paixão indica o filme da semana

2009-09-21T09:57:00.001-03:00

Histórico da Sessão Passada.- dia 17.09.2009

Lembramos que o Cineclube - a pedido de Stefano Fabris e Marcelo Grillo - inicia nesta semana a sessão Happy Hour - 17, 30 hs as 19,30 horas. Trata-se na verdade de uma sessão mais informal, onde todos escolhem o filme antes da sessão. Pode-se exibir tanto filmes musicais, clips, documentários extraídos da TV pública , até algum filme trazido pelos frequentadores.

Depois dessa a sessão oficial das 20,30 hs as 22,30 hs. Esta é a sessão séria, questionadora, exigente e documentada. Comandada por Magnus Machado e Fernando Gomes, hoje adeptos da moderação notívaga, impõe respeito entre os sócios e foi assisitida por uma casa cheia e entusiasmada.

Fernando Gomes, Magnus Machado, Beto Souza, Nayara Togneri, Milena Paixão, Luciana e Gustavo Cagnin, Gedeão Seraphim, Marisa Leão, Thiago Andrade, Estelemar Martins, Marcos Leão, Gilson Leão, Lemim, Carlos Alberto Bocht ( Zobé) e Fábio "Dallas" foram os componentes das poltronas numeradas....

Na semana passada foi exibido o documentário- Cartola- muito elogiado por todos, mas sem as devidas discussões cineclubísticas, em virtude da rotina moderada adotada por alguns sócios que têm de chegar em casa até as 23,hs .....

Sugestão Moleca.....

Talvez a gente tenha de antecipar as discussões e "discutir o filme antes da exibição"

EM COMPENSAÇÃO : SESSÃO DAS ONZE

Na semana passada comprovou-se que uma audiência pequena suporta a terceira sessão que rolou das 23,00hs até 00,30 horas. Esta audiência é a dos que não podem ir para casa antes das 23,00 horas. Este grupo seleto, composto de Zobé, Marisa e Thiago, Gilson Leão, Estelemar, Lemim, Marcos Leão e Beto Souza, assistiu ao sensacional filme dos Irmãos Cohen, "Queime depois de Ler", uma comédia irresistível.

O cineclube conta agora com serviço de bar, anexo a sala de exibição, e que pode ser utilizado mesmo durante as exibições sem interferência entre as atividades.

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O filme desta quinta-feira será

Língua- Vidas em Português,

indicação da poetisa e escritora

Milena Paixão.

Abaixo a sinopse do filme.

Língua - Vidas em Português(Língua - Vidas em Português)

ano de lançamento ( Brasil Portugal ) : 2004

direção: Victor Lopes

atores: Mia Couto , José Saramago , Martinho da Vila , João Ubaldo Ribeiro , Teresa Salgueiro

duração: 01 hs 45 min

Sinopse

Todo dia duzentas milhões de pessoas levam suas vidas em português. Fazem negócios e escrevem poemas. Brigam no trânsito, contam piadas e declaram amor. Todo dia a língua portuguesa renasce em bocas brasileiras, moçambicanas, goesas, angolanas, japonesas, cabo-verdianas, portuguesas, guineenses. Novas línguas mestiças, temperadas por melodias de todos os continentes, habitadas por deuses muito mais antigos e que ela acolhe como filhos. Língua da qual povos colonizados se apropriaram e que devolvem agora, reinventada. Língua que novos e velhos imigrantes levam consigo para dizer certas coisas que nas outras não cabe.
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Esta foi a sinopse oficial, mas podemos adiantar aos aficcionados que trata-se, na opinião de quem já assistiu a uma das mais importantes e cativantes obras sôbre a língua portuguesa.
Além de cenas antológicas, captadas em vários países do mundo, extrai cenas hilariantes do cotidiano de João Ubaldo Ribeiro - para mim o maior artífice atual da língua "brasileira" - de José Saramago, de Martinho da Villa e de personagens anônimos engraçadíssimos.

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SAMBA E CRIME - último trabalho de Jece Valadão

2009-09-17T09:25:00.000-03:00

FILHOS DO CARNAVAL - o último trabalho de Jece Valadão.

Samba e crime

Após morte de Jece Valadão, nova temporada de 'Filhos do carnaval' foca no conflito entre irmãos

SÃO PAULO - O grande desafio de retomar a produção da série "Filhos do carnaval" três anos depois da primeira temporada foi a morte de Jece Valadão, em novembro de 2006. Jece interpretou o patriarca da família, Anésio Gebara, poderoso banqueiro do jogo do bicho e dono de escola de samba. Mas o que poderia ter posto um ponto final em uma bem sucedida produção brasileira no exterior - a série foi vista em toda a América Latina, nos Estados Unidos e na Europa - desafiou a criatividade de produtores, roteiristas e diretores e resultou em uma reviravolta na trama.

Os sete episódios da segunda temporada de "Filhos do carnaval" serão exibidos a partir de 4 de outubro, no canal por assinatura HBO.

- A gente tinha os três irmãos e eles funcionam juntos lindamente - explicou a roteirista Elena Soárez sobre a mudança de foco nos personagens.
Após a morte de Anésio, Claudio (Enrique Diaz) assume o lugar do pai, mas resolve modernizar sua área de atuação, abandonando o decadente jogo de bicho e investindo em máquinas caça-níqueis. Brown (Rodrigo dos Santos) e Nilo (Thogun), filhos ilegítimos de Anésio, são usados por Claudio como laranjas, após dar a eles o reconhecimento de paternidade. Conflitos, disputas de poder e troca de casais fazem parte da história dos três irmãos.
Mas o gatilho para as ações da segunda temporada está nas mãos do veterano Walmor Chagas, intérprete de Comodoro, irmão de Anésio. Velho e doente, Comodoro vive para se vingar do irmão. E o ódio de Comodoro é a herança de Claudio, Brown e Nilo. Walmor conta que assistiu à primeira temporada e ao ser convidado para participar da segunda, nem pensou duas vezes antes de dizer sim.
- Fiquei muito honrado ao ser convidado e aceitei no ato, sem sequer saber qual seria meu personagem. Essa série não é a primeira coisa inteligente que faço na TV, mas é a mais moderna. A TV tem me dado alguns prazeres, poucos, mas tem - confessou o ator.

Comparada no Brasil e no exterior a sucessos como "Os Sopranos" ou "O poderoso chefão", a série "Filhos do carnaval" é umacoprodução da O2 com a HBO. O carnaval e o crime organizado ainda são a tríade em que se desenrola o destino dos membros da família Gebara.

- O carnaval é o pano de fundo para as relações humanas. Por trás da alegria, tem muito sangue - descreve a atriz Shirley Cruz, que interpreta Glória.

Com direção geral de Cao Hamburguer (sucesso no cinema com "O ano em que meus pais saíram de férias"), a série da HBO foi indicada ao Emmy Internacional e premiada com o Grande Prêmio da Crítica pela APCA (Associação Paulista de Críticos de Arte), em 2006. Mas os criadores dizem não sentir sobre os ombros o peso do sucesso de crítica dos primeiros sete episódios.

- Há o peso da primeira temporada, mas ela nos dá muitas coisas que não precisamos procurar mais. Todo um universo já está criado - avalia Hamburguer.
A HBO planeja lançar, após o fim da exibição da segunda temporada, um box com todos 13 episódios da série em DVD.
- A série "Filhos do Carnaval" é a mais bem sucedida em termos de crítica já feita pela HBO latino-americana. Trata-se de um produto à parte do que existe no mercado - define Luís F. Peraza, vice-presidente da HBO Latin America

programação do cineclube para quinta feira, dia 17 de setembro de 2009

2009-09-16T15:48:00.000-03:00

Programação do Cineclube Jece Valadão

O Cineclube Jece Valadão inicia amanhã, em sua nova sede à rua Batista Fluminense 27, onde divide espaço provisoriamente com o Studio 27, novos projetos para seu percurso até o final do ano.

A primeira proposta é que os cinéfilos presentes escolham entre três opções , o filme que será exibido nesta sessão.
Os três filmes opcionais serão os seguintes:

01. CARTOLA – Música para os olhos – documentário de Lírio Ferreira e Hilton Lacerda, sobre o genial compositor carioca.
A sinopse diz o seguinte : Esta é a história de Angenor de Oliveira, mais conhecido como Cartola. Um dos mais importantes compositores da música brasileira de todos os tempos, Cartola é o autor de obras primas como “O Mundo é um Moinho”, “ As rosas não falam” , entre outras.

Os realizadores mostram a importância de Cartola para a música brasileira, traçando um emocionante painel do autêntico samba de origem e seus principais expoentes.

02. QUEIME DEPOIS DE LER – um filme de Joel e Ethan Cohen.

Este filme é uma história de espionagem conduzida por personagens caricatos e muito engraçados. Interpretado pelo inconfundível John Malkovich, o analista Osborne Cox é uma destas figuras.

Os outros atores são George Clooney, Brad Pitt, Tilda Swinton e Francês McDormand.
Trata-se de um filme instigante e inteligente como todos da obra dos Cohen, considerado por muitos como os melhores diretores americanos da nova geração.

03. ANTES QUE O DIABO SAIBA QUE VOCE ESTÁ MORTO – direção de Sidney Lumet.

Lumet, diretor e roteirista consagrado, sempre foi uma referência de cinema de qualidade. Sidney Lumet além de atuante como diretor e roteirista também é autor de um dos livros mais importantes sobre a arte de fazer roteiro para cinema.

Uma dica aos interessados no assunto:
( Matheus Percise, especialista em televisão e roteiros tem este livro e se prontifica a emprestar a quem devolve-lo no dia seguinte. Mas avisa rigoroso: Xerocar é pirataria...e isso é um crime muito sério....nos Estados Unidos.
Segundo Beto, Villinevi também tem.....)
O filme conta a história de dois irmãos, que endividados resolvem dar o golpe perfeito: roubar a pequena joalheria da família. No elenco Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, que tem melhorado bastante, Marisa Tomey e o genial Albert Finney, o melhor ator inglês de todos os tempos, na opinião de Sidney Lumet.

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IDÉIAS
A idéia a ser colocada em pauta, seria a sistematização desta escolha em algumas sessões do cineclube, sendo que muitos são a favor de que as opções ocorram entre:
um filme americano;
um filme latino americano;
um filme europeu.
Sua opinião será muito benvinda.....
A pretensão dos programadores é dar oportunidade aos cinéfilos para que assistam ao cinema de todo o mundo, e saiam um pouco da pasteurização imposta pelo esquemão do circuito convencional.

SESSÕES DAS QUINTAS
A primeira sessão das quintas feiras será as 18 horas, atendendo a solicitação de associados que preferem assistir as sessões nas Happy Hours.

A segunda sessão será as 20:30 horas, e atenderá aos retardatários.

INDICAÇÃO DA SEMANA QUE VEM :

Semana que vêm a indicação do filme das quintas será feito por Milena Paixão que traz uma novidade muito interessante para todos.

2009-09-04T09:59:00.000-03:00

O vídeo sobre Paulinho foi o maior sucesso.

O público pequeno mas "consistente",

se emocionou com o filme que mostra a arte, o brilho e a modéstia

desse artista sensacional.

Uma coisa no entanto talvez tenha brilhado mais

do que o motivo em sí,

a constatação que "brasileiro" aprendeu a fazer documentários,

e rivaliza hoje com as produções inglesas,

tidas como referência no assunto.

Aguardamos para breve comentários de Fernando Gomes e Estelemar Martins.

2009-08-31T23:24:00.000-03:00

BAR, CINEMA, AÇÃO

ASSOCIAÇÃO DO CINECLUBE JECE VALADÃO

COM O

STUDIO 27

INAUGURAÇÃO DA NOVA FASE DIA 03 DE SETEMBRO DE 2009 - 20 HORAS

O tempo de Paulinho da Viola em cineclube- por Marcos Leão( O Fato)

2009-08-31T23:05:00.000-03:00

O tempo de Paulinho da Viola em cineclube
matéria de Marcos Leão publicada no jornal O Fato de 30.08.2009

O Cineclube Jece Valadão exibe nesta quinta-feira "Paulinho da Viola - Meu Tempo É Hoje", documentário sobre o célebre cantor, compositor e violonista carioca.
O filme, de 83 minutos de duração, roteirizado pelo jornalista Zuenir Ventura e dirigido por Izabel Jaguaribe, foi lançado em 2003.
Como já dá uma pista no título, a obra, segundo os realizadores, é sobre o tempo do sambista portelense, retrata sua privacidade, o convívio dele com a família, o cotidiano, além de sua obra musical.
"Trata das relações de amizade e parceria no universo do samba, tendo Paulinho, na vida em família, como figura central. Sua simplicidade é algo cativante", observa o cinéfilo Fernando Gomes, que sugeriu o filme.

NOVA SEDE-( provisória)

O Jece Valadão passa a funcionar agora nas dependências do Studio 27 (Rua Batista Fluminense, nº 27, Centro - próximo à Santa Casa). A exibição acontece às 20h00, com entrada franca. Logo após será promovido um debate sobre o documentário.
O cineclube estava funcionado na sede do Centro Operário e de Proteção Mútua, que deve ser reformado. O Governo do Estado promete, desde o ano passado, transformar a histórica edificação em um centro cultural, batizado com o nome de Nelson Sylvan, em homenagem ao saudoso poeta cachoeirense, famoso militante dos direitos dos trabalhadores.
As obras estavam previstas para começar em abril, mas até agora nada. "Funcionaremos provisoriamente no Studio 27 até a conclusão da reforma", afirma o presidente do cineclube, Carlos Roberto de Souza.

PARCERIA

O Studio 27 já realiza um importante projeto em parceria com o Jece Valadão, o Mémória Viva, que engloba um abrangente acervo audiovisual, captado desde o final da década de 80, sobre ícones da arte e cultura local.
O projeto, lançado oficialmente no início de 2008, é considerado o embrião do Museu da Imagem e do Som cachoeirense.

Debate

As dependências do Studio 27 sediavam os debates realizados após as exibições do cineclube - no seu início, há três anos -, dentro do projeto "Bar, Cinema e Ação", que está sendo retomado.

Legenda foto (Divulgação): O Jece Valadão exibe nesta quinta-feira, às 20h00, "Paulinho da Viola - Meu Tempo É Hoje", documentário sobre o célebre sambista

CHET BAKER NA MADRUGADA

2009-08-28T07:10:00.000-03:00

O Cineclube Jece Valadão está de volta e sua inauguração, entremeada de paz e sonoridades exóticas provocou uma sacanagem de nosso colaborador Rumbhat Ntamba, exímio boêmio, extinto marido, expert em vizinhanças hostis e péssimo poeta parnasiano......

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Ode ao mal vizinho !

O mal vizinho arrepia,
Chet Baker com surdina,
As três horas da matina .......

De repente um grande alívio,
Sonny Rollins com Thelonius,
Tocam uma rhumba em repente,
que de tão incontinenti,
soa como trilha de Felline,
as 10 horas da manhã .....

Barulheira do caralho
Esses tais de metais com surdina
Ou sem surdina.
Quelle Horreur.....

Como diria o falecido Rubinho
Estacionasse em sua vaga,
Pneu furava...
Mesmo assim determinavam seus neurônios,

Com pneu cheio ou vazio,
Todo vizinho
tem direito a reclamar,

A não ser do pipocar das latas,
Ou da risada que sacode,
Entre irreverente e mordaz,
essa margem agoniada,

que reverencia com exagero,
o lado tão mal afamado ,
desse "malcuidado" Itapemirim

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Rumbhat Ntamba, se diz saxofonista, mas além de só tocar "não música", foi preso no metro de Nova York acusado de porte de chapéu falsificado na recepção das moedas incautas.....

2009-08-26T14:26:00.000-03:00

http://www.youtube.com/watch?v=tjBL4zdsoMQ

este é um link inédito
"Elis & Jece Valadão - cantam e dançam tango
- Elis Especial nº 01 na década de 70 - Rede Globo "

NOVAS SEÇÕES EM NOSSO BLOG

2009-08-25T23:05:00.000-03:00

Iniciamos hoje nova seção de comentários e críticas sobre cinema em nosso blog.

São textos de vários colaboradores, coletados por nosso diretor Beto, na época em que escrevia sobre cinema no jornal Diário Capixaba.

Antes disso, porém, como reflexão sobre os caminhos que o cineclube tem trilhado, transcrevemos abaixo "trechos" de um texto extraído da Wikipédia que transmite o espírito e o conceito legítimo do que é ser cineclubista.

PS - aos interessados basta digitar " cineclube " na janela de busca do Wikipédia para ter acesso a este texto completo.

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"Cineclube é uma associação sem fins lucrativos que estimula os seus membros a ver, discutir e refletir sobre o cinema.

É preciso compreender o que é um cineclube – até porque a confusão gerada em torno do conceito favorece justamente uma visão em que os cineclubes não têm um papel muito claro. Sua importância se dilui quando não se conhecem seus objetivos, suas realizações, como sua estrutura específica se estabelece e opera dentro das comunidades e do processo cultural.

O dicionário define cineclube como uma "associação que reúne apreciadores de cinema para fins de estudo e debates e para exibição de filmes selecionados", mas a imprensa e o senso comum amesquinham esse sentido e tratam o cineclubismo como uma atividade de mero lazer cultural, fomentada talvez por algum tipo de nerd, um tipo de fanático juvenil amante do cinema. Ou como um sinônimo de sofisticação do consumidor, uma espécie de grife que adorna desde sessões especiais na televisão até salas "diferenciadas" que exibem os filmes com expectativa de público menor. Misturando um pouco de cada, também chamam de cineclube às beneméritas iniciativas de organizações culturais, educacionais, patronais e paternais voltadas ao atendimento de variadas comunidades. É claro que todas essas atividades têm seu lugar, sua necessidade, seu público dentro da sociedade. Nada contra. Mas cineclube é outra coisa.

Os cineclubes têm uma história própria, que liga a evolução do seu trabalho às diferentes situações nacionais, culturais e políticas em que se desenvolveram. Há vários tipos de cineclubes, alguns predominam em determinados países, em certas conjunturas. Em situações diferentes suas formas de organização e atuação também variam.

Os cineclubes surgiram nitidamente em resposta a necessidades que o cinema comercial não atendia, num momento histórico preciso. Assumiram diferentes práticas conforme o desenvolvimento das sociedades em que se instalaram. Mas assumiram uma forma de organização institucional única que os distingue de qualquer outra.

Três características, quando juntas, são exclusivas dos cineclubes, os distinguem de qualquer outra atividade com cinema e, ao mesmo tempo, abrangem uma ampla gama de formas e ações que os cineclubes desenvolveram nos mais diferentes contextos:

O cineclube não tem fins lucrativos.

O cineclube tem uma estrutura democrática.

O cineclube tem um compromisso cultural ou ético.

Os cineclubes foram responsáveis pela formação cinematográfica de grandes cineastas, entre os quais se podem destacar Glauber Rocha, Cacá Diegues, Jean-Luc Godard e Wim Wenders. "

Não deixe de ler esse texto completo na Wikipédia.

Através dele voce terá uma noção preciso da importância do cineclubismo no cenário cultural de todos os povos que os cultuam.

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CURIOSIDADE -mas pode chamar de cultura inútil...

Um dos primeiros cineclubes em Portugal foi o Cineclube do Porto.

Segundo as más línguas os filmes de maior sucesso eram os japoneses em língua original, sem legendas, mas como os patrícios não entendiam bulufas do enredo, o resultado das discussões era excelente.

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Os Cafajestes

2009-07-19T23:46:00.000-03:00

Ruy Guerra, 1962.
"Quando cheguei aqui e fiz Os Cafajestes, foi dentro de uma proposta extremamente lúcida, clara, objetivada. Era um filme que deveria ter sucesso de público, para provar que era possível fazer um cinema diferente da chanchada; era um filme que tinha de ser barato - sem interiores, apenas quatro personagens -, porque não havia outra maneira dele ser feito. Tem uma cena com mais duas garotas, e um policial no final. Foi escrito com o Miguel fugindo de todas as possibilidades de ser um roteiro mais pesado, sob o ponto de vista de produção, e ao mesmo tempo, com uns aspecto de provocação evidente da nudez para atacar os tabus da época, mas também sabendo que se não vencêssemos essa barreira, seria um escândalo. Isso foi lucidamente usado, para não se fazer uma nudez erótica, mas crítica, o que obrigou a um certo tipo de tratamento da cena. Também a censura era muito forte na época, e eu sabia da força dos censores ao cortarem. Então preferi fazer de uma forma que a cena principal fosse num plano só, para que eles assumissem a responsabilidade de impedir que não houvesse possibilidade de diálogo, teriam que tirar um plano-seqüência inteiro, castrar o filme de uma forma evidente. E o filme passou e foi um grande boom, foi dito que ali nascia o Cinema Novo".

Ruy Guerra, em entrevista a Beto Rodrigues.
Confira o texto completo aqui

Comunicado

2009-07-16T15:26:00.000-03:00

O Cineclube Jece Valadão comunica que não haverá exibição nesta quinta-feira (16/07).

Att.

"Vamos ao Cineclube...?”

2009-07-05T23:20:00.000-03:00

Projeto contribui para a valorização do cinema

Imagine um lugar onde você possa assistir a filmes, discutir cinema, conhecer pessoas de diferentes idades e estilos... Tudo de graça. Esse local existe aqui mesmo, em Cachoeiro de Itapemirim.
Completando três anos de existência, o Cineclube Jece Valadão promove mostras de filmes nacionais e internacionais, além de curtas-metragens e documentários. Após a exibição, há um bate-papo entre os frequentadores. A programação de filmes é variada.
Carlos Roberto de Souza foi quem organizou o Cineclube, que já contou com o próprio Jece Valadão como presidente de honra. Beto já participou dos antigos cineclubes de Cachoeiro nas décadas de 60 e 70. Mas os anos de Ditadura Militar fez com que o cinema nacional empobrecesse, retomando a força somente na segunda metade dos anos 90.
Iniciativas como essa proporcionam ao público um enriquecimento na cultura do cinema, além de um resgate do valor dos filmes nacionais fora da circulação dos grandes cinemas. Jovens com talento foram descobertos através da exibição de vídeos produzidos por eles. O Cineclube já promoveu e participou de diversos eventos, como a “1ª Mostra Curta Cachoeiro” em parceria com o Grav (Grupo de Estudos Audiovisuais), no ano passado. Eventos culturais, como música, exposição de artes plásticas e fotografia também fazem parte da programação do Cineclube.
O projeto é uma entidade sem fins lucrativos. Para a manutenção, existem associados que contribuem mensalmente com R$5,00 (cinco reais), além de uma ajuda financeira da Secretaria de Cultura.
O Cineclube Jece Valadão conta com a parceria da Prefeitura de Cachoeiro, de uma rede de cinemas (que cede equipamentos e salas para eventos maiores) e de uma vídeolocadora, que disponibiliza os filmes mais difíceis de serem encontrados. São exibidos somente filmes originais.

por Gustavo Ribeiro, Karoline Andrade e Sara Moreira.
Estudantes de jornalismo do Centro Universitário São Camilo - ES.

Estômago

2009-07-03T23:10:00.000-03:00

Marcos Jorge, 2007.

Se houvesse cinema popular no Brasil, e não apenas filmes com vocação popular, Estômago seria visto por milhões de espectadores. Desde sua primeira informação narrativa, em forma de narração em off de João Miguel, sentimos o pacto com a comédia verbal. O humor não está tanto no que está sendo dito pelo ator, mas na maneira com a qual ele diz para produzir o efeito cômico. E assim será em todo o restante do filme: a graça está no ritmo das palavras, nas freadas, nas interjeições, em alguma expressões, em uma autenticidade de cinema, em um naturalismo que não esconde sua carga de representação, de código de comédia, criando uma sedução imediata.
Os diálogos são um ponto muito alto em Estômago. Cinema da palavra? Longe disso. Marcos Jorge sabe dirigir para seus atores e para as situações nas quais estão envolvidos, chamando pouca atenção para suas construções visuais – e ameaçando derrapar quando o faz, em busca de uma visualidade chique e publicitária em poucos momentos, para qual colabora algumas imagens do fotógrafo Toca Seabra e uma música exageradamente explorada quando a coisa aperta. Esse senão não inibe a potência do que realmente importa em Estômago: o anedotário em torno do protagonista-narrador, Raimundo Nonato, e a performance dos intérpretes (João Miguel e Babu Santana sobretudo). Não há um único momento em que essas atuações-shows entrem em competição com o material, ou mesmo com os personagens, porque os personagens são essas atuações. Só estão ali como imagens e presenças capazes de nos cativar com suas características. Sim, há estereótipos. Mas se brinca com eles.
Brinca-se também com as expectativas criadas a partir dessas caricaturas. Dessa maneira, a evolução do percurso de Nonato, o paraibano que chega ao Sudeste, vira cozinheiro de pé-sujo, ascende para a cozinha de um restaurante italiano e vira o chef de sua cela na cadeia, não canta os passes. Embora a narrativa se desdobre em dois segmentos temporais, um acompanhando sua evolução como cozinheiro, outro a sua ascensão na prisão pelos dotes culinários, não parece haver antecipação da causa de seu encarceramento, deixando a revelação para os momentos finais. Um final surpreendente em alguma medida, porque, na apresentação e desenvolvimento de Nonato, vemos um tipo ingênuo e devagar na compreensão, uma ignorância com talento, sem nenhum tipo de sinal de maldade ou amoralidade à vista. Esse choque entre o que vemos do protagonista, alguém puro, e sua condição de criminoso trancado no xadrez, cria certo desconforto porque sabemos, de alguma forma, que as imagens vistas não traduzem tudo. E esperamos esse momento da revelação.
Pois essa pureza do nordestino chucro e gente boa será contaminada em parte pelo mundo onde vive, em parte por sua própria mudança, mostrando o quanto a arte, no caso gastronômica, é um exercício de poder, com a qual ele se beneficia e manipula seu entorno para sua afirmação. Nonato é corrompido pelo talento, pela capacidade de agradar com suas criações, de se fazer necessário, do qual todos passam a depender para viver. A arte de forrar os estômagos alheios com capricho e criatividade torna-se a ferramenta com a qual o protagonista mediará sua relação com o mundo. Ele cozinha para ter sexo, para ter sossego, para ter conforto e para ter poder. Não é um zé mané. Apenas come pelas beiradas.
Não é o caso de se apegar a esse tema para vermos o filme como uma auto-reflexão sobre a própria condição do criador. Porque a força de Estômago, longe de estar na relação entre os dois focos narrativos, um tanto esquemática em sua equilibrada organização, encontra-se na beleza de alguns momentos. É possível rir e se emocionar simultaneamente com as experiências entre as caricaturas, com a doce visão dos presidiários, com a relação entre Nonato e uma prostituta felliniana, com a própria narração do protagonista. São forças geradas por detalhes, sutilezas, pela explosão verbal de um Babu, por um olhar de lado de João Miguel, por um resmungo, por pequenas modulações de expressões e vozes. Um filme de minúcias, de um conjunto poderoso, que merece transpor certo gueto de circulação.

"O humor dos detalhes" por Cléber Eduardo
publicado originalmente na revista cinética

Batman

2009-06-30T10:00:00.000-03:00

Leslie H. Martinson, 1966.

Batman foi um marco na contracultura dos anos 60, seu responsável William Dozier, que nada tinha a ver com a DC Comics, que estava falindo na época, era fazer um "Sgt. Peppers" misturando o sombrio herói com a geração "desvairada" da época.
Abusando de clichês e situações surreais, foi um sucesso televisivo na época, que acabou virando um longa que será apresentado no Cineclube Jece Valadão.
Embora nossos pais torcessem pelo herói barrigudo interpretado genialmente por Adam West e seu nervoso aprendiz interpretado por Burt Ward, minha geração também pegou o final desta série que nos ensina até hoje sobre cinema: fazer muito com muito pouco.
Tem mais o que dizer, mas deixa pra sessão...

por Diego Scarparo.

Sobre os quadrinhos

Batman é um personagem de histórias em quadrinhos publicadas pela editora norte-americana DC Comics, cuja primeira aparição alguns acreditam ter sido em desenhos de Frank Foster em 1932, e que foi publicado posteriormente na revista Detective Comics #27, em Maio de 1939. Batman foi co-criado pelo desenhista Bob Kane e o escritor Bill Finger, embora apenas Kane receba oficialmente os créditos, apesar de seus esforços para dividir os méritos na criação do personagem.
Fã da cultura vampiresca, especialmente das histórias ligadas ao personagem conhecido como Drácula, Kane imaginou um herói baseado no mesmo, com roupas negras, capa vermelha e ligado ao tema dos morcegos, mas foi Finger que deu ao personagem o formato pelo qual ficaria consagrado.

Ghost World

2009-06-10T13:26:00.001-03:00

Terry Zwigoff, 2001.
Ghost World traça a vida de duas adolescentes que entram na idade adulta: a protagonista Enid, (interpretada magistralmente por Thora Birch, de Beleza Americana, no qual desempenhava papel bastante similar) , que se recusa a abandonar sua postura anticonformista; e sua melhor amiga, Rebecca (Scarlett Johansson), que logo se adapta às responsabilidades adultas, afastando-se da colega. Em meio a isso, ambas conhecem uma série de personagens estranhos, principalmente Seymour (Steve Buscemi, em um dos melhores trabalhos de sua carreira), um esquisito homem de meia-idade aficionado por discos antigos, com quem Enid logo desenvolve um bizarro relacionamento.

Sobre os quadrinhos

Escrito e ilustrado por Daniel Clowes, um dos maiores expoentes das histórias em quadrinhos independentes na atualidade, originalmente publicado nos números #11 a #18 (Junho de 1993 a março de 1997) da revista Eightball e, posteriormente, em formato de livro pela Fantagraphics Books, esta graphic novel é um dos mais ricos retratos sobre adolescência já realizados nos quadrinhos.
A publicação original em inglês pode ser conferida aqui

Superman

2009-06-08T14:14:00.000-03:00

de Richard Donner, 1978.

O primeiro filme maduro e bem-produzido com um super-herói, uma excelente produção capaz de traduzir o clima dos quadrinhos, com efeitos especiais inovadores para a época. Até mesmo para alguém que jamais gostou do Superman, a interpretação de Christopher Reeve tornou o personagem crível e interessante. O roteiro foi escrito por ninguém menos que Mario Puzo e os astros Gene Hackman e Malon Brando garantiam ao público que estava sendo feito ali era um espetáculo de primeira qualidade.

Sobre os Quadrinhos

Em 1933 dois adolescentes de Cleveland (EUA), Jerry Siegel e Joe Shuster, conceberam uma tira de quadrinhos com um super-herói defensor da Justiça, originário de outro planeta. Durante anos os dois tentaram vender sua tira para os syndicates (os distribuidores americanos de tiras de jornal) e tiveram seu trabalho recusado. Em 1938, a história chamou a atenção de M.C. Gaines, que a levou para Harry Donnenfeld - então proprietário da quase falida Detective Comics.
Siegel e Shuster, que então já estavam trabalhando para a DC em outros projetos, receberam o “OK” para desenvolverem aquele que é considerado o primeiro e maior super-herói dos quadrinhos (o herói foi o primeiro criado a ter poderes sobre-humanos). Ainda em 1938, Superman apareceu na capa do primeiro número da revista Action Comics e, em menos de dois meses, as edições da revista com as histórias do herói passaram a vender 2 milhões de exemplares mensalmente. As tiras do herói (publicadas em jornais de 1939 a 1966 e de 1977 a 1993) também causaram enorme furor. leia mais

Junho

2009-06-08T12:56:00.000-03:00

O mês de junho, mês em que o Cineclube Jece Valadão comemora 3 anos de existência, será inteiramente dedicado aos quadrinhos. Além das sessões de terça-feira com importantes adaptações, haverá outras atividades dedicadas a arte dos balõezinhos e onomatopeias.

Breve mais informações.

Comunicado

2009-06-02T11:02:00.000-03:00

Gostaríamos de informar que nesta terça-feira (02/06) NÃO HAVERÁ SESSÃO, devido a uma reunião da diretoria para definição da programação do mês de aniversário do cineclube Jece Valadão. A programação será divulgada em breve e contamos com a sua presença.

Jogo de Cena

2009-05-26T08:55:00.000-03:00

Eduardo Coutinho, 2007

Jogo de Cena parece ser um trabalho no mínimo interessante, em que o diretor parte da premissa de questionar o postulado da imagem com suas variabilidades dramatúrgicas. Ao colocar um anúncio no jornal, convidando uma série de mulheres a realizarem o documentário, o diretor trás para si pessoas interessadas no documentário e ao mesmo tempo no jogo que propõe. Coutinho convida as personagens a compartilharem suas experiências, alegrias e tristezas, chamando para bem perto as experiências pessoais mais marcantes.

Mas se o filme indica apontar para a familiaridade e reconhecimento na história do outro, o postulado da verdade é posto em cheque quando atrizes também são convidadas a participar do jogo, contando suas experiências pessoais e interpretando as experiências já narradas pelas "não-famosas". Uma mistura que parece confundir o espectador, fazendo-se questionar se está ligado nos relatos pessoais e "verdadeiros" ou na interpretação. Como complemento, o diretor fez um filme nú. Sem cenário, sem figurino. Uma cadeira colocada em um teatro e uma mulher sentada nela.

Trecho do texto de Raphael Mesquita
publicado no site da Revista Contracampo
Confira o texto completo aqui

Cão Sem Dono

2009-05-19T10:33:00.000-03:00

Beto Brant e Renata Ciasca, 2007

O protagonista de Cão Sem Dono é Ciro, jovem multitalentoso, inteligente, plenamente capaz, mas cuja vida parece de alguma forma estacionada, inflacionada de instantes intensos mas carente de ambições concretas, chapada no presente, desconectada de um horizonte. Retrato bastante pertinente de uma parcela da juventude atual, em falta ou em excesso de opções – adolescentes duráveis, como o pai de Ciro o define sem qualquer reprovação ou preconceito, em uma das brilhantes cenas de refeição do filme. Quando se faz um retrato, minimizam-se os movimentos, ressaltam-se os traços, a fisionomia, o olhar; ocorre menos ação e mais caracterização. Partindo disso, o filme se cola ao ator Julio Andrade e estuda seu personagem. As situações se alternam e a câmera nunca perde Ciro de vista. Vemos cenas dele sozinho, com a namorada, com o cachorro, com os pais, procurando emprego, fazendo exame médico, jantando na casa de novos amigos... Depois da segunda metade do filme, na fase de “superação”, Ciro muda o repertório de atividades, e é mostrado jogando futebol, trabalhando, participando de um grande almoço de família, pulando num show de rock... Em suma, vemos fatias de sua vida, captadas pela sensibilidade do registro instantâneo, singular, e separadas por elipses mais ou menos indeterminadas.

Trecho do texto de Luiz Carlos Oliveira Jr.
publicado no site da Revista Contracampo
Confira o texto completo aqui

Durval Discos

2009-05-06T00:03:00.000-03:00

Anna Muylaert, 2002
IMUNIZAÇÃO (IR)RACIONAL

Em A origem dos bebês segundo Kiki Cavalcanti somos apresentados a Kiki Cavalcanti, uma criança encantadora e sobre a qual é impossível ter qualquer controle. Criada num ambiente atribulado devido às constantes brigas dos pais e à ascendência do irmão endiabrado, Kiki trabalha dentro de si essas influências e ali, em sua cabeça explodindo de conexões cuja lógica é toda particular, temos entrada proibida (ainda que Anna Muylaert sempre insista, e muito bem, no contato com o imaginário infantil ? basta olhar seu trabalho na criação de séries como No mundo da lua, Castelo rá-tim-mum ou Um menino muito maluquinho). O que podemos ver são as manifestações do contato de Kiki com o mundo, e sua teoria torta ? mas justificada pelas confusões familiares ? sobre o nascimento dos bebês. Kiki sustenta um paradoxo fundamental: mantém a visão inocente da infância, mas já está completamente contaminada pelos símbolos da violência.

Sete anos depois, Anna Muylaert retorna à Kiki, e mesmo que seja interpretada por outra atriz-mirim e tenha um sobrenome diferente, a menininha de Durval discos carrega a mesma presença simbólica de antes. É uma questão de confronto de mundos. Primeiro há a vivência estática de Durval e Dona Carmita. O começo do filme nos apresenta esta velha casa paulistana e sua loja de discos como um ambiente analógico que resiste à crescente digitalização ao seu redor. Mas ainda existe o ?ao redor?, ainda mantém-se um contato com o lado de fora, para o qual Durval e a mãe são perfeitas antíteses. O rigor formal é absoluto: longos planos de câmera parada, estabelecendo a imutabilidade atroz daquela existência (é a mãe assentada na velhice, o filho velho-garoto preso a ela, os flertes com a vizinha que nunca passarão disso). Kiki, esta força que não se controla, que encerra em si a inocência e a violência, chega para mover a vida ? e, eventualmente, mover a câmera. Uma seqüência simples de conversa na sala ganha fluência pela simples presença da menina: um rodopio em torno da mesa, que empurra Durval e Dona Carmita para os cantos e coloca Kiki no centro deste novo universo criado por ela.
Kiki olha para meia dúzia de ratos de esgoto e diz: ?Olha, o Mickey!?. Ela é capaz de assimilar qualquer estranheza e transformá-la em doce loucura. Sua presença isolará definitivamente a casa do mundo exterior (e se houver uma incursão por ele, digamos, pelo trânsito caótico de São Paulo, só se for a bordo de uma charrete).
Num filme musical como este, as canções são mais que preenchimento de fundo. No passeio de bicicleta pela casa, cena que equilibra a candura de Kiki com a memória de um passeio similar, do menino aterrorizado em O Iluminado, de Stanley Kubrick, Durval coloca uma música do disco Tim Maia racional. A questão parece bem essa: a tentativa de racionalização (um plano para chamar a polícia) não esconde a irracionalidade latente em todo o projeto (um cavalo no quarto, uma arma, uma parede ensangüentada). Kiki é agente dessa lógica distorcida, e nem Durval, nem Dona Carmita, nem mesmo o próprio filme estão imunes a isso.
Passado todo o pequeno épico buñueliano que se arma dentro da casa, Durval toma tempo para ouvir uma última música antes de abrir novamente as janelas para o mundo. E toca London, London, na voz de Gal Costa. Se a criança é sempre uma caixa de mistérios, e se contra a loucura de sua mãe não há mais o que fazer a não ser se desesperar, a saída é mesmo o exílio emulado por Caetano. Só assim, talvez, Durval consiga se integrar ao que acontece lá fora. Só assim, talvez, ele consiga se misturar aos signos visuais da cidade, como na seqüência de créditos iniciais em que os nomes dos realizadores aparecem misturados a placas e anúncios de rua. Durval briga, no fundo, pelo direito de fazer parte de loucuras mais saudáveis que aquelas de sua pequena e febril loja de discos. Briga pelo direito de exilar-se no mundo real.

por Rodrigo de Oliveira.

Bebel, Garota Propaganda

2009-05-05T08:32:00.000-03:00

Maurice Capovilla, 1967

Os originais do romance “Bebel que a Cidade Comeu” ainda estavam datilografados e sem título quando Maurice Capovilla escreveu sua adaptação para o cinema. Capovilla e o escritor Ignácio de Loyola Brandão eram colegas de jornal e de boemia na noite paulistana de 1967. Naquele ambiente, enquanto bebiam e criavam, artistas e intelectuais também se preocupavam com as diabólicas engrenagens da indústria cultural. Bebel, Garota Propaganda, o filme, acabou por refletir tudo isso, na forma de uma crônica social e política da vida urbana brasileira naquela década. As cenas foram rodadas em bares, restaurantes e estúdios de TV freqüentados pelo show business da época, com participação de diversos cantores, jornalistas e cineastas no elenco. A protagonista, moça pobre vinda de bairro popular, é contratada como modelo de anúncio de sabonete e passa a alimentar sonhos de fortuna e estrelato. No entanto, como toda figura de outdoor cujo destino é ser rapidamente encoberta pela próxima atração, Bebel também verá as luzes se apagarem sobre ela. Em seu primeiro longa-metragem, Capovilla já sinalizava o grande tema de sua carreira: a curta vida dos heróis de pés-de-barro. Ele talvez seja o autor que mais trabalhou o tema da ascensão e da decadência no cinema brasileiro, tanto em documentários (Subterrâneos do Futebol, O Último Dia de Lampeão), como em filmes de ficção (O Profeta da Fome, O Jogo da Vida, Harmada). Bebel integra-se à perfeição nesse cortejo de personagens que a sociedade se encarrega de iludir e conduzir a um inevitável fracasso. Mas esse raro e legítimo representante do Cinema Novo paulista é também uma reflexão sobre os impasses da esquerda num momento em que a ditadura militar ainda apresentava sua face menos sinistra. Capovilla criou para seu amigo Fernando Peixoto um papel que não existia no livro de Brandão, o do jornalista no encalço de Bebel. Era uma forma de o cineasta veicular suas próprias indagações sobre o tema. Da mesma maneira, inventou a cena em que o estudante engajado deixa patente sua alienação frente à realidade do bairro operário. Assim como Terra em Trande, de Glauber Rocha, faria logo em seguida, Bebel também confronta os discursos sobre “o povo” com o povo de verdade. O filme se destaca, ainda, pela caracterização da atriz Rossana Ghessa e pela fotografia de Waldemar Lima (o mesmo de Deus e o Diabo na Terra do Sol).O modelo, aqui, não eram as imagens brutas do cordel nordestino, mas o brilho noturno e enganador da publicidade.

Exibição
Terça-feira, 5 de maio. 19 horas
Centro Operário e de Proteção Mútua
Rua 25 de março, nº. 173 - Centro

Entrada franca

Programação de Maio

2009-04-28T23:27:00.000-03:00

Cinco Frações de Uma Quase História

2009-04-23T12:31:00.000-03:00

(Brasil, 2008, 96 min.)

Direção: Cristiano Abud, Cris Azzi, Thales Bahia, Guilherme Fiúza, Lucas Gontijo, Armando Mendz Roteiro: Cristiano Abud Elenco: Luiz Arthur, Gero Camilo, Cynthia Falabella, Murilo Grossi, Claudio Jaborandy, Leonardo Medeiros, Jece Valadão.

Em 2009, o Cineclube Jece Valadão volta com um foco maior no cinema brasileiro. E, para recomeçar suas atividades, traz o último filme com Jece Valadão. “Cinco frações de uma quase história”, como já denuncia o título, são cinco histórias, cada uma dirigida e atuada por uma pessoa diferente. Na primeira, Carlos (Leonardo Medeiros) tem uma tara por pés... O personagem de Luiz Arthur viaja para uma realidade que só ele vê e entende através do controle remoto da sua TV. O terceiro personagem é o juiz Abel Fortunato (Jece Valadão), cheio de poder e dinheiro obtido de forma não-convencional, ele precisa da ajuda do “carimbador” Akim (Nivaldo Pedrosa), ele oferece uma bolada ao funcionário em troca de um favor. Claro que toda essa história envolve muitas mulheres também. A próxima história tem muito sangue, se passa num matadouro, Antônio (Cláudio Jaborandy) é um homem simples, mas está passando por uma grave crise conjugal. A última personagem é Lucia (Cynthia Falabella), outra solitária que acaba de levar um fora do ex-namorado e agora está deprimida e procura ajuda de um programa de rádio, onde encontra Beto (Murilo Grossi). Ela quer uma relação séria e ele só quer aproveitar. Aí a diversão começa. Os diferentes estilos de cada uma das histórias e como elas são filmadas não destoam entre si. Toda a trama é muito bem costurada, alinhavando com um forte sentimento de solidão aquele fim de semana suado de aventuras e muito calor em Belo Horizonte.

Exibição
Terça-feira 28 de abril, às 19 horas
Centro Operário e de Proteção Mútua
Rua 25 de Março, 173 - Centro

Tributo Sérgio Sampaio

2009-04-12T21:21:00.000-03:00

Nesta segunda-feira (13) será realizado "Chuva Fina", um tributo a Sérgio Sampaio, que completaria 62 na mesma data.

Local
Praça Jerônimo Monteiro, Centro.

Horário
às 21 horas.

Essa Cola

2009-03-23T08:44:00.000-03:00

Ficha Técnica
Direção: Villinevy Koppe e Felipe Mourad
Edição: Paulim Paraizo
Câmera: Villinevy Koppe e Felipe Mourad
Elenco: Egisto Symprini, Felipe Mourad e Anália Viana
Gênero: Experimental
Música: “Madeira de Dar em Doido” Aroldo Samapio
Duração: 7’30’’

Sinopse
Após um telefonema um homem vaga errante pela rua.

Release
Com direção de Felipe Mourad e Villinevy Koppe, “Essa Cola” trata-se de uma refinada mistura de imagens e sons com acontecimentos normais do dia-a-dia, pessoas na rua com sacolas nas mãos, luzes ascendendo e apagando, são algumas características que envolvem o enredo deste curta-metragem. Este é o primeiro trabalho dos dois diretores.

Temporada 2009

2009-03-16T13:15:00.000-03:00

Aconteceu na noite da última sexta-feira (13/03) no Teatro Municipal Rubem Braga a abertura da temporada 2009. Além de outras atrações, foi exibido um documentário sobre Nelson Sylvan feito pelo Cineclube Jece Valadão em Parceria com o Projeto Memória Viva.

Links para a Programação de 2008

2009-01-19T23:16:00.000-02:00

31/07 - O Homem Que Virou Suco
07/08 - Na Natureza Selvagem
14/08 - O Falcão Maltês
21/08 - À Beira do Abismo
28/08 - A Marca da Maldade
04/09 - Noite e Neblina / Marienbad
18/09 - São Paulo Sociedade Anônima
25/09 - Volver
02/10 - Cabra Marcado Para Morrer
09/10 - Diabo a Quatro
16/10 - Chaplin & Keaton (curtas)
23/10 - Candinho
30/10 - O Incrível Exército de Brancaleone
06/11 - Estamira
20/11 - Medos Privados em Lugares Públicos
27/11 - Enigma do Poder
04/12 - Curtas Estação Cinema
17/12 - A Pessoa é Para o que Nasce

A Pessoa é para o Que Nasce

2008-12-17T09:09:00.001-02:00

Roberto Berliner, 2003.

São irmãs. São três. São cegas. Unidas por esta característica incomum do destino, elas viveram toda sua vida cantando e tocando ganzá em troca de esmolas nas cidades e feiras do Nordeste do Brasil, a região mais pobre do país. O filme acompanha os afazeres cotidianos destas mulheres e revela as curiosas estratégias de sobrevivência da qual participam parentes e vizinhos. Mergulha em sua história, flagrando uma trama complexa de amor e morte, miséria e arte. E acompanha, numa reviravolta inesperada, o efeito-cinema na vida destas mulheres, transformando-as em celebridades. Um filme em que diretor e personagens confrontam-se com os laços que surgem entre eles, revelando a sedução e os riscos do ofício de documentarista.

Exibição
Quarta-feira 17 de dezembro, às 19 horas
NOVA SEDE - Centro Operário e de Proteção Mútua
Rua 25 de Março, 173 - Centro

Comunicado

2008-12-07T23:33:00.000-02:00

Nesta quinta-feira (11/12) não haverá exibição. Contudo, na próxima quinta-feira (18/12) haverá exibição normal.

Estação Cinema

2008-12-01T08:27:00.000-02:00

Associação dos Profissionais Técnicos de Cinema e Vídeo de Santa Maria

Será exibido nessa quinta-feira (4/12) uma seleção de curtas realizados na cidade e região de Santa Maria/RS através de seus associados. São ficções, documentários e animações em produções ambientadas em espaços que criam naturalmente uma identificação com o espectador.
Mais informações sobre a Estação Cinema aqui.

Curtas selecionados:
Última Trincheira
Dir. Rondon de Castro
FIC, 2002, 15 min
Lili e o monstro
Dir. Sérgio Assis Brasil
FIC, 2002, 23 min
Centopéia
Dir. Gabriel Isaia Duarte & Tiago Gonçalvez
FIC, 2002, 8 min
Vagas Lembranças da Hora de Minha Morte
Dir. Leonardo Roat
FIC, 2006,11 min.
A Farsa Seca
Dir. Fabrício Koltermann
FIC, 2007,12min
O Bom, o Mau e o Chato
Dir. Lucas Mori FLores
ANI, 2003, 3 min
Cinza e Vermelho
Dir. Kitta Tonetto
FIC, 2003, 16 min
Que letra é essa?
Dir. Pedro Gomes da Rocha
DOC, 2004,16 min

Memórias de um homem de cinema

2008-11-28T18:07:00.000-02:00

Sobre Jece Valadão (24/07/1930 - 27/11/2006)

“Nunca tive problemas com a morte. Sempre acreditei que você começa a morrer no primeiro minuto em que nasce. Quer dizer, quando você nasce, já tem um minuto a menos de vida. Já fiz tudo que um ser humano pode fazer. Estou um crédito enorme lá em cima. Se eu morrer hoje, não tem problema nenhum. A morte é a coisa mais natural do mundo.”

Jece Valadão em Memórias de um Cafajeste, autobiografia

Uma notícia de morte nunca chega suave. A notícia da morte de Jece Valadão me chegou súbita, violenta, agressiva: um telefonema de um canal de TV a cabo solicitando um contato para um depoimento, para integrar alguma reportagem. A mídia, este espaço que ele tanto habitou, em cenas de escândalos e afins, corria para noticiar sua partida, enquanto meu corpo parava em choque. Ele, que havia encarado a morte várias vezes na tela do cinema, que dizia não ter medo dela, havia sido enfim surpreendido por ela. Dessa vez, uma morte dura, pesada, doída, diferente daquelas que eram pura ação cinematográfica, grafismos evanescentes embalados pela alegria fugidia de momentos de entretenimento.
Me apaixonei por Jece, personagem de múltiplas facetas, numa tarde de agosto deste ano, sentada em frente a recortes de jornais e revistas de época. Provavelmente, lia alguma entrevista da década de 60 ou 70. Havia sido chamada para editar o catálogo da mostra “As Muitas Faces de Jece Valadão”, que se daria no CCBB-Rio em setembro. Fui tragada por uma rotina de pesquisa e, subitamente, o que havia se iniciado como um trabalho em cima de um objeto, ganhou uma dimensão emocional inesperada e insuspeita, tornando-se um projeto bastante pessoal e evocando diversas questões minhas com o cinema.
Sinto que descrevi um percurso atravessado em relação a Jece Valadão. Conhecia-o de alguns filmes assistidos ao longo dos anos, como Boca de Ouro e Rio Zona Norte, e, embora sua figura carismática sempre tivesse atraído minha simpatia, nunca havia estabelecido propriamente uma relação mais ampla com sua persona. No entanto, se a aproximação se deu de forma cuidadosa, até um pouco hesitante, o afeto veio repentino. Curiosamente, não pelas imagens cinematográficas que ele moldou com tanta ênfase, mas por suas palavras e pelo poder de evocação do seu discurso. Um pouco como se tivesse traçado uma fenda temporal – afinal Jece não foi um personagem do meu tempo –, me apaixonei através de uma perspectiva histórica. O contato com esta espécie de “passado bruto”, que são os documentos de época, me possibilitou a descoberta de todo um universo que parecia não ter sido desbravado, que se oferecia a mim com o frescor de algo não-vivido e não-relatado. Um mundo desconhecido no qual poderia me aventurar livremente.
Jece foi um autêntico homem de cinema, capaz de trabalhar prioritariamente a partir de imagens a e de fazer do discurso sua principal força. E foram suas palavras que me fisgaram antes de tudo. Sempre envolvente e cativante, não havia assunto sobre o qual ele não versasse bem. Militante incansável do cinema e do cinema brasileiro, ator eloqüente, realizador de grande visão, pastor evangélico; nas falas de Jece corriam mundos, muitos dos quais ele buscava atualizar na tela. Espantosamente determinado, ele perseguiu por muito tempo seu sonho de “fazer cinema”, que era para ele algo muito mais amplo do que realizar filmes ou atuar neles. Jece carregava em si o espírito de um verdadeiro artista, que é o de transformar o ofício num fecundo diálogo com a vida e com o mundo. Dono de uma aguçada percepção do meio cultural brasileiro, ele soube trabalhar o conceito de ícone junto à cultura popular como talvez nenhum outro artista do seu tempo.
Ancorado no cinema de gênero e no papel que este deveria cumprir dentro de um cenário cultural amplo, ele construiu um legado cujas dimensões são ainda difíceis de precisar. Numa época de intensa discussão política acerca da cultura brasileira, de sua identidade e de seus rumos, ele percorreu um caminho um tanto particular, intimamente ligado à história do cinema brasileiro como a conhecemos, mas um tanto à margem desta historiografia. Um percurso guiado pela forte imagem do “cafajeste”, que ele trabalhou e vestiu como ninguém, e por uma persistente luta pela subsistência do nosso cinema, sobretudo frente à esmagadora presença do cinema estrangeiro no mercado. Mantendo-se um artesão e desenvolvendo uma profunda relação com o público, Jece parece ter compreendido algumas das dimensões mais complexas que envolvem o cinema como produto cultural, histórico e de consumo, forjando esta compreensão principalmente através do seu trabalho com o imaginário popular.
Imaginário popular que ele passou a integrar ao longo dos anos, visto que partiu de imagens (as fortes figuras masculinas do cinema americano, uma certa idéia do homem brasileiro, gêneros cinematográficos), para se transformar ele mesmo em um ícone imediatamente reconhecível. Sua crença de que apenas o ator estigmatizado alcançaria o estrelato e ficaria gravado nas mentes comprovou-se pela sua trajetória. No entanto, por mais redutora que sua iconicidade pudesse ser, ela camuflava um homem de múltiplas facetas. Pai de família, empresário bem-sucedido, cineasta talentoso, ator de presença inigualável, galanteador incansável...
E, para além de todos esses Jeces, havia o Jece que conheci. Atencioso, doce e extremamente gentil. Que na abertura da mostra em sua homenagem, dizia, com os olhos levemente marejados: “estou muito feliz, é muito bom poder receber essa homenagem em vida, porque no Brasil, as pessoas só são lembradas depois que morrem. Só não choro porque já passei da idade”. O momento, emocionante, não poderia prefigurar a notícia que viria dois meses depois. E, se o choque da sua morte pode ter algum alento, certamente é o de saber que pudemos lhe conceder tamanha alegria, ao expressar todo nosso carinho, afeto e admiração por sua obra e que estes sentimentos tenham ganhado seu destinatário e tenham sido recebidos de peito aberto. Como consolo, ainda, talvez a crença de que, como alguém que soube levar a vida de forma admirável, Jece deve ter partido com serenidade.
Meu sentimento de perda, que, neste momento, poderia ser da ordem de um relacionamento entabulado por imagens (jornalísticas, no caso), guardando um pouco a relação que se estabelece com um artista a partir de filmes, me tomou, no entanto, de forma próxima, indo ao encontro de um afeto e de um carinho nascidos de forma singular. Entre as grandes experiências da minha vida, os momentos que carregarei comigo, certamente estará a de assistir a Boca de Ouro sentada ao lado dele. Na tela, imagens de quarenta anos antes, testemunhando uma vida, um tempo, uma arte, já distantes; ao meu lado, um homem que, mais do que um dos grandes nomes do cinema brasileiro, era alguém que recebia emocionado uma grande homenagem de todos ali presentes, e dos envolvidos na mostra em particular. Dez dias depois, quando do memorável encontro de Jece com o público, dentro da programação da mostra – no qual ele desfilou todo o seu carisma e empatia –, tive a oportunidade de jantar em sua companhia e na de José Oliosi, seu amigo e parceiro de anos na Magnus Filmes. “Tchau, minha linda”, foi como Jece se despediu de mim, com um beijo na testa.
Hoje, suas palavras ainda ecoam. E com a mesma intensidade que contemplei sua rápida passagem pela minha vida, lamento sua partida. Sempre ativo, ele foi-se em meio a diversos trabalhos, entre eles, sua já histórica parceria com José Mojica Marins em Encarnação do Demônio. E, se por dias e dias adiei o término deste obituário, talvez tenha sido pela relutância em aceitar tal notícia, que sobrevém como esta interrupção de tudo, esta súbita suspensão de uma vida inteira; em acreditar que ele não está mais entre nós. A Jece, agradeço pelo rico mundo de cinema que nos deixou e destino minhas mais sinceras palavras de afeto.

por Tatiana Monassa.
Em homenagem a Jece Valadão, cuja morte completou dois anos no último dia 27 de novembro. Texto publicado originalmente no site da revista Contracampo.

trailer de "A Encarnação do Demônio" de José Mojica Marins.

Cindy, The Doll is Mine

2008-11-28T18:06:00.000-02:00

Bertrand Bonello, França, 2005

Cindy, The Doll Is Mine partiu de uma encomenda pela cadeia de TV France 2 dentro da coleção “Les Films Plastiques” em que vários cineastas fariam curtas-metragens inspirados em artistas ou obras de arte contemporâneas. Bertrand Bonello inspirou-se na fotógrafa americana Cindy Sherman, que se tornou reconhecida mundialmente por público e crítica especialmente nos anos 70, com Untitle Film Stills, uma série de fotos em preto e branco em que ela mesma interpretava atrizes de filme B americano. Em um trabalho posterior, The Sex Pictures, não é mais à si mesma que ela fotografa e sim bonecas despedaçadas em posições de apelo sexual.
A partir destas informações, podemos observar as referências a estas fases do trabalho de Sherman desde o primeiro plano, onde vemos várias bonecas, algumas com partes faltando, outras inteiras. Então, somos apresentados às duas personagens (ambas interpretadas por Asia Argento): uma fotógrafa morena, de cabelos curtos, sem maquiagem, vestindo roupas masculinas e – o oposto - uma modelo de cabelos longos e muito louro (quase branco), usando um vestido tipo “boneca”, transmitindo uma imagem bastante ingênua.
A fotógrafa vai orientando a modelo a seguir várias posições, mas nenhuma delas parece satisfazer, não importa o que a modelo faça. Até que ela pede que a modelo chore, pois acha que isso poderá comovê-la. Da pilha de bonecas, escolhe uma sem pernas e entrega à modelo, que a segura chamando de “minha bonequinha”; mas, como ainda não conseguem atingir o objetivo, decidem fazer uma pausa. Depois dessa pausa, a modelo diz que consegue. De vários CDs jogados no chão, escolhe a banda novaiorquinha Blonde Redhead e começa a tocar “Doll is mine”. Agora há só a música e o comovente choro da modelo.
A sinopse do filme anuncia que “é a história de uma morena que tira fotos de uma loira e as duas estranhamente se parecem”; porém, num filme sobre uma sessão de fotos, nenhuma foto é tirada, o que interessa no filme de Bonello não são as eventuais fotos e sim a relação estabelecida entre a câmera e o objeto a ser fotografado. A insatisfação da fotógrafa diante das posições que ela mesma sugere, mostra que ela também precisa ser sensibilizada.
Em seus trabalhos, Sherman fotografava a si mesma, nem por isso fazendo auto-retratos. Ela dizia que os expectadores deveriam procurar a si mesmos ou outras pessoas nas imagens, e não ela. O duplo existente nos trabalhos de Sherman também estão no filme: quem é Cindy em suas fotografias? Quem são todas as mulheres que Cindy representou se não são ela mesma? No filme, a mesma atriz representa diferentes personagens: uma fotografa e outra se deixa fotografar.
A modelo chora, se ajoelha e se entrega ao que lhe foi pedido. À visão da sua maquiagem borrada, da emoção que seu choro transmite, quem chora é a fotógrafa, que não tira uma foto sequer. A ela nada mais resta além do seu próprio choro. E, ao expectador, nada mais se faz necessário.

por Nayara Tognere.

Saiba mais sobre Cindy Sherman aqui.

Exibição
Quinta-feira 27 de novembro, às 19 horas
NOVA SEDE - Centro Operário e de Proteção Mútua
Rua 25 de Março, 173 - Centro

Enigma do Poder

2008-11-24T10:39:00.000-02:00

New Rose Hotel

Abel Ferrara, 1998.

Abel Ferrara é um dos tristes casos de genuínos artistas que são sistematicamente alijados das telas de cinema por nossos exibidores. Dono de uma extensa carreira nos últimos anos, seu único filme em cartaz desde Invasores de Corpos (1993) foi The Funeral/Os Chefões. Permanecem inéditos The Addiction, de 1995, e o recentemente exibido em mostras (e sem previsão de distribuição comercial) 'R Xmas. Pérolas como The Blackout e esse Enigma do Poder, infelizmente, só podem ser vistos em tela pequena.
A reclamação faz-se ainda mais justa quando se vê alguns desses filmes, pois a tela de cinema, a sala escura simplesmente amplificariam e tornariam muito mais adequado tudo que se passa em Enigma do Poder. Todos os temas característicos de Ferrara se intensificam: perdição, ambição, excesso dos sentidos e dos instintos... E entretanto tudo diminui: as ações se passam entre três atores, quase sempre entre quatro paredes (como em Naked Eyes/Olhos de Serpente), e em imagens de vídeo de cores saturadas e com parca definição, que convergem e dão toda a dimensão da confusão que passa na cabeça de X., o personagem interpretado por Willem DaFoe.
Adaptado do conto "The New Rose Hotel" de William Gibson, Enigma do Poder é a chance de Ferrara alargar seu repertório de conspirações (elas tornam-se mundiais entre grandes corporações numa luta milionária por patentes), suas localidades (Viena, Japão, Marrakesh), até penetrar num pantanoso terreno de doenças de vírus industrialmente fabricados que bem poderia evocar William Burroughs. Mas de Burroughs se mantém somente a lógica: tudo flui, tudo se movimenta segundo redes imprevisíveis, onde o tecido do poder domina – ou pretende dominar – tudo e onde uma força lançada em tal direção pode inverter-se e seguir em sentido contrário, ferindo seu próprio emissor. Paradoxalmente, tudo vive no íntimo: todos os encadeamentos de ações só nos são dados conhecer da mesma forma que aos personagens: pelo ouvir dizer, pelos telefones, pelas onipresentes imagens de vídeo egressas dos quatro cantos do planeta, por todos os gadjets audiovisuais que a informática proporciona. Não é à toa que é uma câmera de vigilância num shopping que nos informa de uma importante morte, ou que uma câmera de investigação nos mostra as únicas imagens que temos do motor da trama do filme, o geneticista japonês Hiroshi, ou que uma transmissão de teleconferência nos informa de um ataque bactericida que dizima uma série de cientistas em Marrakesh. Em Ferrara conta menos a multiplicação dos artifícios imagéticos – mais e mais freqüente num cinema que novamente tende para o barroco – do que o experimento com novos registros de imagem. Imagem de vigilância, de espionagem industrial, de comunicação empresarial... o mundo faz seu próprio cinema, como já dizia Deleuze em Conversações (mas não exatamente nesse sentido). E esses novos registros assumem uma dimensão tão importante quanto mais a película de 35mm não serve para nos contar nada além do íntimo dos personagens – que, mesmo sendo a coisa mais importante do filme, está sempre submetido às injunções daquilo que acontece exteriormente. Esse exterior absoluto, o fora-de-campo, relegado eternamente à desaparição no cinema, aqui ganha sua própria força, uma força do não-saber, da confusão proporcionada por esse não-saber.
New Rose Hotel é a história de um trato. Ou de muitos. Fox faz um trato com X para Sandi seduzir Hiroshi, X faz um trato com Sandi para terem um futuro juntos, Fox faz um trato com a corporação Hosaka, Sandi faz um trato secreto com a corporação alemã Maas, e assim por diante. Claro, um trato sempre exclui o outro. O filme começa num prostíbulo de luxo, onde Madame Rosa (Annabella Sciorra numa pequena participação) tenta satisfazer Fox (Christopher Walken), que está em busca de "uma chupada perfeita". Pensamos inicialmente que é para ele, mas o erro é redondo. Tudo em que ele pensa é em Hiroshi, tornado algo entre uma obsessão (é o possível fruto de muito dinheiro) e uma idolatria (há de fato uma devoção ao cientista que escapa ao amor pelo golpe). Rosa aponta para uma moça (Asia Argento) que, ao se apresentar para cantar uma música, autointitula-se em italiano como uma "menininha vinda da Itália". Para todos os efeitos, Sandi será mesmo uma menininha, sexy e vacilante quando, no dia seguinte, depois de uma noite com X (Willem Dafoe), conhecerá minuciosamente o plano de Fox. Hiroshi, casado com uma alemã gélida, quase marcial, deve ser seduzido e convencido a abandonar a família e a corporação Maas, para onde trabalha, a fim de viajar ao Marrocos com a nova amante para trabalhar em um laboratório inteiro à sua disposição patrocinado pela companhia adversária Hosaka.
Só que o jogo de gato e rato é infinito, circula tanto quanto as imagens no filme. Hiroshi deve trair a Maas, X deve trair Fox, Sandi pode inverter todo o jogo. X deve seduzir Sandi, que deve seduzir Hiroshi, mas não é certo que isso vá acontecer. Sempre um fio da cadeia pode pender e dar relevo completamente diferente à história. Em todo o caso, jamais saberemos de alguma coisa de antemão. A esse respeito, Enigma do Poder é completamente opaco, respeitando o não-saber dos personagens e fazendo dele o nosso próprio não-saber. De fato, o espectador não tem qualquer informação a mais que os personagens. Aos poucos, a narrativa centra-se em X, a parte desprivilegiada do trato (Sandi tem a sedução, Fox tem o controle), e na paixão obsessiva que ele passa a ter por Sandi. É claro que esse elemento, indesejado no começo, mexerá com tudo (ou tudo já estava predestinado a dar errado? Jamais saberemos...), e os protagonistas seguirão caminhos totalmente diferentes.
Resta-nos apenas X, que foge de uma contra-conspiração e entra na janela de um hotel, numa viela suja. Esse hotel chama-se New Rose. Logo, trata-se do centro da trama. O que faz X no hotel? Se esconde dos inimigos? Não. Com um revólver na mão, estirado no chão, ele se lembra. Surgem algumas imagens que já vimos no filme, algumas outras que não apareceram antes. Mas, seja qual for o grau de ineditismo delas, alguma coisa se faz presente que muda completamente o significado delas. Vinte minutos antes de terminar o filme, faz-se uma fissura, cria-se uma cesura na narrativa. Como escreveu Juliana Fausto sobre Mulholland Drive, as duas partes se intercomunicam, uma podendo ser o pesadelo da outra. Só que em New Rose Hotel, a segunda parte não tem função de neutralizar a primeira, mas antes de tudo de amplificá-la, de perspectivá-la. Em vinte minutos, estamos dentro da cabeça de X, que entretanto não vive o presente. É raro no cinema que a imagem consiga realmente atingir um estatuto de passado puro. O flashback vale antes de tudo como elemento informativo, não como o próprio peso da lembrança. Mas nesse hotel chamado New Rose, à beira do abismo, X é incapaz de não se deixar tomar por uma infinidade de lembranças dos acontecimentos recentes, e esse fluxo de imagens não tem o caráter de elucidação. X não procura o que houve de errado no plano, o momento em que conseguiria ter percebido algum índice de traição. Não: as lembranças são mais fortes que ele, elas o dominam e passam por sua mente quase desordenadamente. Com um centro, entretanto: Sandi: é ela que aparecerá, deusa sedutora como cantora sob uma luz vermelha na boate, ingênua na conversa que dará origem ao trato, executiva sexy na preparação para o golpe, ou como aparição furtiva em contraluz numa roupa preta, última imagem do filme e a primeira vez em que X a viu. Esse grau de loucura dos sentidos, esse peso da memória que irrompe à Bergson/Deleuze no presente e nos faz vivê-lo como passado puro, encontra no espectador o correlato de Sandy em X: Asia Argento. Atriz-revelação logo tornada diva, ela nos assombra até muito depois de ter visto o filme, ela se transforma em presença viscosa, impossível de segurar ou de fixar, e ainda assim jamais fugindo da cabeça. Menos prata do que mercúrio. Menos a fixidez do presente real do que a incerteza de um fluxo de lembranças, da ebriedade, da cólera, Asia Argento é em New Rose Hotel a perfeita metáfora do filme: um mistério jamais completamente revelado.

por Ruy Gardnier.
Ogininalmente publicado no site da revista Contracampo.

Exibição
Quinta-feira 27 de novembro, às 19 horas
NOVA SEDE - Centro Operário e de Proteção Mútua
Rua 25 de Março, 173 - Centro

Nova Sede

2008-11-20T23:19:00.000-02:00

O Cineclube Jece Valadão comunica que a partir do dia 20 de novembro funcionará em sua NOVA SEDE no CENTRO OPERÁRIO E DE PROTEÇÃO MÚTUA localizado à Rua 25 de Março, n° 173 – Centro.
Acompanhe a programação, leia notícias sobre cinema e cultura em geral além de assistir ao trailer do filme da semana, entre outras opções no BLOG do Cineclube Jece Valadão.
Além das sessões semanais vale a pena conferir a Exposição Fotográfica “Um século de Cachoeiro no olhar de Nelson Sylvan” no Centro Operário que funciona de 12 h às 18 h.

Medos Privados em Lugares Públicos

2008-11-20T11:04:00.000-02:00

Coeurs
Alain Resnais, 2006.

Carl Theodor Dreyer (Gertrud, Dois Seres), Manoel de Oliveira (O Sapato de Cetim, Benilde ou A Virgem Mãe). Não foram muitas as vezes em que certos diretores de cinema se afrontaram ao teatro e, amplificando características intimamente teatrais e incorporando-as descaradamente à construção da obra, conseguem inventar a partir dessa impureza constitutiva os elementos de uma beleza puramente cinematográfica. Alain Resnais, já sabíamos, pertence a esse grupo de cineastas pelo menos desde Mélo (1986), e nos últimos anos – Smoking/No Smoking (1993), Pas sur la bouche (2003) – vem se dedicando com mais obstinação ao trabalho de transfigurar cinematograficamente (ou seja, pela mise en scène) um material teatral mantendo suas virtudes teatrais (nada aqui do malfadado exercício de "arejar" o enredo, enchê-lo de externas, vício lamentável comum aqui e alhures). A obra de Alain Resnais desenvolve-se desde o começo como um eterno jogo entre formas narrativas inimagináveis (fazer um roteiro a partir de uma tese de etologia, por exemplo) e com um também eterno jogo de maquinação mental para estabelecer equivalências entre um material de base escrita e o trabalho visual operado pela câmera. É um homem ao mesmo tempo fascinado por formas consideradas menores, superficiais (quadrinhos, canções populares, operetas vagabundas), e ao mesmo tempo uma obsessão virtuosista pela idéia de composição, de equilíbrio entre as partes, por um tom geral que conforma a obra. Essa excentricidade de moleque associada a um preciosismo de mestre marca o gosto todo próprio que temos ao ver um filme de Alain Resnais, e é essa mesma característica que faz com que cada filme seu, por mais convencional que seja o material de que se parte, se converte num exuberante e delicioso jogo de encenação.
Cœurs, "corações", ou Medos Privados em Lugares Públicos, não poderia ser diferente. A princípio o filme se vende numa chave muito fácil, a do drama psicológico de incomunicabilidade à francesa, mas muito rápido o filme desenvolve maneiras de esburacar o lisinho, de desarrumar o arrumado, de provocar pela forma (de enquadrar, de mexer a câmera, de fazer seus atores atuarem) um distúrbio que complexifica a modorra naturalista e obriga, se acompanhamos todos os elementos com atenção, a adensar a relação com o que está sendo visto. Um zoom repentino, um movimento de câmera que leva de uma boca (a de Laura Morante, aqui figurada na primeira imagem) até outra, um breve passeio da imagem pelo teto, um falso raccord que quebra a continuidade luminosa ou faz nevar dentro de um quarto de apartamento. Ou então, de forma mais geral, a insidiosa sensação de que os cenários nunca se adequam perfeitamente aos personagens (tanto pela construção lógica dos personagens quanto pela relação que eles desenvolvem com aqueles espaços) e que, de forma geral, aquele mundo é hipercodificado, armado, interpretado ao nível da caricatura. Questão de tom, e nesse drama humorístico ou nessa comédia meio desencantada o tom impresso consegue a proeza de dramatizar o cotidiano de seis corações desafetados (no sentido de afecção que o termo pode carregar) como uma tresloucada comédia screwball com gags visuais lubitschianas ou como um musical em que, muito por acaso, ninguém canta música nenhuma. Dreyer + Lubitsch, talvez uma boa maneira de começar a lidar com Cœurs.
Existe a tentação, é comum até, de só se olhar para o enredo e menos para o enfoque, e assim considerar o filme como uma espécie de Closer acrescido de mais dois personagens, incrivelmente melhor atuado, mais elegante (também, não era difícil) e com personagens em idade mais velha. Acrescentemos imediatamente que, se Medos Privados em Lugares Públicos é um dos filmes que mais representam a excelência cinematográfica nos últimos anos, não é exatamente por isso. Claro, poucas vezes conseguiremos ver uma interpretação tão radiosamente esbaforida e calculada como a de Sabine Azéma ou a poderosa canastrice encantadora de Lambert Wilson, o olhar desencantado de Pierre Arditi ou a graça licensiosa de André Dussolier, mas o brilho do filme não se esgota falando do controle do cineasta e do poder das interpretações. Porque esse é apenas o trabalho de base para algo muito mais decisivo e difícil que Resnais elabora em seguida, que diz respeito essencialmente ao trabalho de construção visual (aqui chamando atenção de forma incrível à singularidade daquilo que costuma ser considerado óbvio) e à aplicação de um tom que conforma, atribui forma à obra inteira. Em Cœurs, é a neve, que protagoniza o filme já em seu primeiro plano e reaparece eternamente em cada fade para uma nova seqüência (um fade-para-neve da mesma forma que se fala em fade-para-preto), que fornece um modelo de organização para a continuidade e a fluidez do todo, que possibilita a passagem do sentimento seqüência por seqüência e que confere ao filme uma aura musical de leveza absoluta – leveza difícil, estabelecida mesmo dentro do peso de cotidiano aborrecido de personagens com tendência a fecharem-se em suas próprias certezas. Porém, mais do que atribuir juízo de valor ou transmitir saberes sobre a existência desses personagens, Resnais se interessa por eles como entidades especulativas ou melodias associáveis com outras melodias no sentido de se construir uma sinfonia, de criar através delas uma progressão e construir um sentido geral.
E nesse sentido geral, cada detalhe é chamado a adicionar um sentido que reconfigura o sentido da obra. Por exemplo, temos Charlotte, mulher religiosa, obstinadamente religiosa, que aceita uma provação como um desafio ao diabo, mas que ao mesmo tempo veste-se com lingerie provocante e dança diante de uma câmera, provocando com suas fitas de vídeo alguns homens que encontra. Ora, isso conforma o personagem, mas a caminhada para a parte direita do quadro (imagem 2), ao fim de uma seqüência em que ela está uma pilha de nervos, não é exatamente indicativo de nenhum dos dois, ou talvez de uma mistura dos dois – o sublime na perversão ou qualquer outra matriz de relação com o sagrado – que o filme não faz questão de deixar claro (nem deveria); é algo que constrói um detalhe sutil que, pela ausência ou gratuidade da situação, rearranja nossa percepção. Da mesma forma, o surgimento dessa figura estranha, jamais explicada, o quadro que a câmera fixa de vez em quando no apartamento de Thierry e Gaëlle (imagem 3), à qual podemos atribuir uma instância moral, um olhar castrador que condena a aventura voyeurística de Thierry, mas que no limite permanece irredutível a um sentido preciso.
Mas, de forma ainda mais incisiva, o que chama atenção pela irreverência são os múltiplos deslocamentos de sentido que a posição da câmera opera, tecendo pequenos delírios que reconfiguram a forma como a câmera capta o comportamento e o modo de vida pretensamente convencional dos personagens. Delírio espacial que chega a seu máximo no momento em que a parede de trás da imobiliária desaparece (imagem 4) e a parede de vidro meio transparente, meio opaco que separava os dois personagens e mediava nossa relação com aquele cenário fica perpendicular ao ângulo da câmera e, logo, assume as dimensões de um palito. Ou quando a câmera, num zoom maluquete, reenquadra de forma espalhafatosa um detalhe ou personagem. Ou nos planos zenitais para as visitas aos apartamentos a alugar, que, maravilhosamente bem utilizados, atribuem ao mesmo tempo grandiosidade e artificialidade ao cenário, e conseqüentemente revelam os protagonistas com figuras diminuídas, presas a um cenário que se cola a eles por obrigação (lantejoulas que tampam o olhar de Pierre Arditi, armação de ramos de trepadeira que recortam o rosto de Laura Morante, pedaços opacos de vidro que separam Azéma e Dussolier) e os prende a um estilo de vida que teme o inesperado. Se existe ficção, ela nasce quando nos faz figurar de outra forma aquilo que já estamos acostumados a ver, atribuir um outro ponto de vista que consiga dessaturar o saturado (ou vice-versa), chamar o modorrento de delicioso, chamar o cafona de lindo (o lindo feio bar de hotel em que Arditi trabalha e Wilson enche a cara), enfim tomar o mundo codificado, imóvel de cotidianos desafetadamente confortáveis e fazê-los remexer a partir da mise en scène, transformar o imóvel em dança pelo tom e pelo enfoque. Em 1933, Dreyer escrevia: "O característico de um bom filme é uma certa agitação rítmica criada, seja dos movimentos dos personagens no interior dos planos, seja da mudança mais ou menos rápida dos próprios planos"¹. Fazer um filme como se organiza uma dança, usar a mise en scène para abstrair um sentido e construir uma melodia visual a partir de dados sensitivos e narrativos, essa é uma arte que por vezes cremos perdida, mas que nos grandes filmes sempre ficamos felizes em reencontrar. Medos Privados em Lugares Públicos pertence definitivamente a essa equipe de elite.

por Ruy Gardnier.

1. Em "O verdadeiro cinema falado", publicado na revista Politiken em 1933 e reproduzido, em francês, no livro Réflexions sur mon métier, Éd. Cahiers du Cinéma, 1997.
Exibição
Quinta-feira 20 de novembro, às 19 horas
Centro Operário e de Proteção Mútua
Rua 25 de Março, 173, Centro

Convite

2008-11-10T16:58:00.000-02:00

A Secretaria Municipal de Arte e Cultura de Cachoeiro de Itapemirim, Revista Cachoeiro Cult e o Centro Cultural Nelson Sylvan convidam para o lançamento da revista especial de Nelson Sylvan, nesta terça-feira dia 11/10, no Centro Operário de Proteção Mútua, próximo a Casa dos Braga. Será exibido o documentário produzido pelo Memória Viva e pelo Cineclube Jece Valadão em homenagem aos 98 anos do poeta e o documentário do músico Zé Nogueira, falecido nesta segunda-feira, dia 10/11.

Local e data:
Terça-feira, dia 11/11/2008, às 19:00.
Centro Operário de Proteção Mútua.

Outras informações:
Lucimar Costa (SEMAC)
3155-5246 e 9946-2173

Sessão cancelada

2008-11-10T15:19:00.000-02:00

A Casa da Memória passará por reformas durante esta semana, portanto a exibição de "Medos Privados em Lugares Públicos" do dia 13/11 será transferida para o dia 20/11.

Dia Nacional da Cultura e Dia do Cinema Nacional

2008-11-05T08:37:00.001-02:00

A Casa da Memória através da Secretaria Municipal de Arte e Cultura de Cachoeiro de Itapemirim convida para o evento cultural em comemoração do Dia Nacional da Cultura e Dia do Cinema Nacional nesta quarta-feira dia 05/11 a partir das 17:00 horas.

Programação
17:00 - Apresentação de curtas nacionais.
19:00 - Performance teatral "Arte e Existência - Uma performance artaudiana" com Grupo de Teatro Atores do São Camilo / 1º Festival de Leituras Dramáticas Capixabas
19:30 - Projeto Musical "Balaio"
Encerramento da exposição "APLAUSOS: NOSSOS ARTISTAS DE ONTEM, HOJE E AMANHÃ"

Local
Casa da Memória
Rua 25 de Março, Centro.

Maiores informações
Lucimar Costa
Gerente de Teatros da SEMAC
9946-2173 e 3155-5246

Dia Internacional da Animação (Atualizado)

2008-10-28T08:44:00.000-02:00

Hoje, em todo o país, ocorrerá o DIA - Dia Internacional da Animação, com exibições de vídeos de animação.
Em Cachoeiro de Itapemirim o DIA acontecerá no CineShopping Cachoeiro, com apoio da Afacinemas. O local tem capacidade para 190 lugares. O evento terá também o apoio da Prefeitura Municipal de Cachoeiro de Itapemirim por meio da Secretaria Municipal de Arte e Cultura. Além da programação oficial está previsto uma oficina, sendo esta realizada na Casa da Memória.

Todos os eventos tem entrada franca, porém a oficina tem limite de vagas e necessita confirmação de presença, que poderá ser feita com o coordenador através dos contatos abaixo.

mais informações aqui

Programação:
14:00 às 17:00 - Oficina de Animação (Stop-Motion)
19:30 - Início da Mostra

Coordenação: Villinevy Koppe Robbi
Telefone: (28) 8111-8082/ (28) 3155-5221
E-mail: vkr.clio@hotmail.com

Dia Internacional da Animação

2008-10-27T10:42:00.000-02:00

O Cineclube Jece Valadão tem a honra de convidar os amantes de cinema de animação para o DIA - Dia Internacional da Animação, que consiste na maior exibição simultânea de vídeos de animação no país. O DIA acontecerá em 28 de outubro às 19:30hs, sem atraso, no Cine Shopping Cachoeiro, com entrada franca. Estará sendo exibido 1h de curtas nacionais e 1h de curtas internacionais. A mostra é uma realização da ABCA (Associação Brasileira de Cinema de Animação), sendo em Cachoeiro coordenada por Villinevy Koppe Robbi, através do Cineclube Jece Valadão com o apoio da Prefeitura Municipal de Cachoeiro de Itapemirim, Afacinemas e Dallas Vídeo Locadora.

Mostra Humor

2008-10-20T00:21:00.000-02:00

Durante o mês de outubro, a programação do Cineclube Jece Valadão estará voltada ao humor no cinema. Para iniciar esta pequena mostra, no dia 9 de outubro será exibido o filme “Diabo a quatro” (Duck Soup, de Leo McCarey. EUA, 1933). O país de Freedonia está em crise e a beira de uma revolução. A milionária Mrs. Teasdale concorda em emprestar US$ 2 milhões a Freedonia com a condição de que o presidente renuncie para que Rufus T. Firefly (Grouxo Marx) possa assumir o poder. Dois espiões – Chicolini e Pinky (Chico e Harpo Marx) – são enviados para encontrar evidências que possam desmoralizar Firefly. Num roteiro ligeiro, Grouxo dispara piadas enquanto Harpo sem dizer uma palavra consegue o mesmo tirando inimagináveis objetos de dentro dos bolsos, assim como Chico e seu sotaque italiano. Infelizmente, muitas das piadas são resultados de trocadilhos com a língua inglesa, que acabam se perdendo nas legendas, mas não afeta a força do humor inteligente e sarcástico dos irmãos Marx, uma mistura de vaudeville com o escracho. A clássica cena do espelho, assim com outras, inspiraram vários diretores ao longo dos anos, como Jerry Lewis e Woody Allen, fãs declarados.

No dia 16 de outubro, é a vez dos curta-metragem de Charlie Chaplin e Buster Keaton. Em “Vida de cachorro” (A Dog’s Life, 1918), Carlitos é o vagabundo que vive na rua com um cão e a certa altura do filme, junta-se a eles uma cantora desprezada pelo seu público. Destaque para a cena de Chaplin na mesa de bar com a dupla de ladrões com quem disputa uma carteira roubada. “Um dia de prazer” (A Day’s Pleasure, 1919) é um dia de passeio de Carlitos e sua família que começa quando o carro não pega para que eles possam ir ao passeio de barco. Claro que o passeio, nas mãos de Chaplin, rende cenas muito engraçadas com uma tripulação enjoada e Carlitos se metendo em varias confusões. Ambos os curtas são com Edna Purviance, sua atriz preferida, e o segundo com Jackie Coogan, com quem iria trabalhar posteriormente em “O garoto” (The Kid, 1921). Desde seus curtas, Chaplin já demonstrava o grande diretor que era com filmes que apesar do humor, apresentavam um forte apelo emocional capaz de fazer o espectador rir e chorar ao mesmo tempo. Buster Keaton é famoso pelo seu longa-metragem “A general” (The General, 1927), mas apresenta uma extensa filmografia composta também por excelentes curtas. O humor nos seus filmes se concentra nas suas ótimas “gags” com uma característica marcante: Keaton nunca ria, ele mantinha a mesma feição em diferentes situações. Sua justificativa era de que assim o espectador projetaria seus próprios sentimentos (como nas experiências de Kulechov, cineasta russo). Em “Uma semana” (One Week, 1920), Keaton recém casado precisa construir e decorar uma casa para viver com sua esposa. “O enrascado” (Cops, 1922) mostra Keaton sendo perseguido por policiais e escapando das mais divertidas maneiras. E em “O aeronauta” (Balloonatic, 1923), Keaton sem querer acaba no topo de um balão de ar quente e é levado para bem longe, onde acaba encontrando o amor. O tempo todo há muitas corridas, perseguições e tombos. Apesar disso, as cenas são construídas com muita naturalidade, pois Keaton acreditava em personagens verossímeis, assim, seus filmes possuíam roteiros muito bem construídos. Com certeza, “o homem que nunca ri” consegue arrancar muitas risadas dos espectadores ate os dias de hoje.
O humor brasileiro é representado por Mazzaropi em “Candinho” (de Abilio Pereira de Almeida, 1953), que será exibido no dia 23. Trata-se do terceiro e último filme de Mazzaropi na Companhia Cinematográfica Vera Cruz e a primeira aparição do caipira que posteriormente seria sua marca registrada. Como o Moisés da bíblia, Candinho apareceu nas águas de um riacho e foi adotado por uma família onde brinca com porcos e é meio desastrado e preguiçoso. Um dia, Candinho sai em busca de sua verdadeira família e com seu burrico Policarpo parte para São Paulo, onde se apaixona por Filoca, uma taxi-girl. O filme é livremente inspirado no clássico do otimismo “Candide” do escritor francês Voltaire. Mazzaropi começou sua carreira no circo, depois foi para o rádio e para a TV, até chegar ao cinema – onde começou como ator, até se tornar o próprio produtor, diretor e distribuidor de seus filmes – e criou uma indústria de filmes independente e bem sucedida. Seus filmes não eram sobre o Brasil e sim para o Brasil, faziam muito sucesso com o público e era incompreendido pela elite, retratando assuntos sérios sempre sob a ótica do humor. Hoje, é admirado tanto pelo público como pela crítica, que vem se aprofundando no estudo sobre seus filmes.
E, para encerrar a mostra, o clássico do cinema italiano “O exército de Brancaleone” (L'armata Brancaleone, de Mario Monicelli. Itália, 1966). Uma sátira aos costumes da cavalaria medieval, o filme também e uma paródia de “Dom Quixote” do escritor espanhol Miguel de Cervantes: o cavalo de Brancaleone se chama Aquilante, referência ao Roncinante de Dom Quixote. Brancaleone é um cavaleiro que lidera um exército em busca de um feudo pela Europa e enfrenta a peste negra, Bizantinos e Bárbaros em sua jornada. Retratando aspectos como a crise do sistema feudal no século XIV, representado pela trilogia “guerra, peste e fome” e a decadência das relações sociais no mundo feudal, o poder da igreja católica, utilizando sempre da sátira, o que resulta em cenas hilárias e um roteiro cheio de reviravoltas. Assuntos polêmicos como igreja, política e filosofia são abordados de forma satírica que acabou influenciando os ingleses do Monty Python, especialmente em “Em busca do cálice sagrado” (Monty Python and The Holy Grail, de Terry Gilliam e Terry Jones. Inglaterra, 1975).
Grandes nomes como Jerry Lewis, Frank Capra, Harold Loyd, Woody Allen e os já citados Monty Python, ficaram de fora, mas, com certeza, serão lembrados posteriormente em outra mostra.

Exibições
9, 16, 23 e 30 de outubro, às 19 horas.
Casa da Memória
Rua 25 de Março, Centro.

Estação Oriental

2008-10-03T19:07:00.001-03:00

Estação Oriental consiste em um projeto de exibição gratuita de produções audiovisuais orientais (principalmente japonesas). Ao exibir estas produções de artistas orientais, pretende-se apresentar, de forma mais transparente, novas faces do oriente em relação à sua cultura, sociedade e linguagem. Construindo novos referenciais e até mesmo inspirando produções locais (das mais diversas). Possibilitando que as pessoas possam fazer leituras mais profundas sobre uma sociedade tão misteriosa para muitos de nós, observadores ocidentais.

Objetivos

* Divulgar à sociedade cachoeirense os diversos aspectos e elementos da cultura pop japonesa.
Apresentar a Cachoeiro de Itapemirim a existência da tribo Otaku, dentro de seu espaço.
* Possibilitar um maior envolvimento entre a sociedade e as produções orientais, tão pouco divulgadas dentro do cenário capixaba.
* Desmistificar a imagem da animação japonesa como ligada a uma intensa violência e agressividade, tão inerente à óptica da sociedade.
* Divulgar de forma mais ampla aspectos estruturais, culturais e comportamentais da sociedade japonesa.

Programação
A realização do projeto se dará nos dias 4, 11, 18 e 25 de outubro e dias 1, 8, 15, 22 e 29 de novembro, às 14 horas na Casa da Memória.

Organização:
Matheus Rocha de Souza Ramos
Tel: (27) 3315 – 1316
Cel:(27) 9909 – 1986
E-mail: matheusrsr@yahoo.com.br
MSN: sirmatheus@hotmail.com

André Luiz Gava Moraes
Cel: (28) 9298 – 9018
E-mail: updead@gmail.com
MSN: up_dead@hotmail.com

Cabra Marcado Para Morrer

2008-10-03T19:01:00.000-03:00

Eduardo Coutinho, 1984.

“Cabra marcado para morrer” é um documentário de inegável importância para a cinematografia brasileira. O filme de Eduardo Coutinho além de trazer intervenções estéticas em termos de linguagem de documentário, levou para as telas a história de uma família marcada por tragédias e sofrimentos durante um período crítico da nossa história política.
A partir da história pessoal de cada um dos personagens, o filme vai traçando um panorama de vários momentos da história, ao mesmo tempo em que denuncia a luta dos camponeses pela reforma agrária e as injustiças e desigualdades sociais as quais o povo é submetido. Sendo assim um importante filme político, a partir do momento em que questiona políticas sociais e do governo, ou seja, as ações humanas que, em si, são políticas.
Em 1962, Coutinho era membro do CPC (Centro Popular de Cultura) da UNE Volante que percorria o país com o objetivo de promover a discussão da reforma universitária. Em abril, os estudantes chegam à Paraíba, duas semanas depois do assassinato de João Pedro Teixeira - fundador e líder da liga camponesa de Sapé - por ordem de latifundiários. Tais ligas camponesas eram criadas desde os anos 50 com o objetivo de conscientizar o trabalhador rural e defender a reforma agrária.
Eles se dirigem à Sapé e, no dia seguinte a chegada, há um protesto contra o assassinato de João Pedro onde Coutinho conhece sua viúva, Elizabeth Teixeira. A partir daí surge a idéia de fazer um filme de ficção sobre a vida e a morte de João Pedro na luta pela reforma agrária, em que os camponeses do local, Elizabeth Teixeira e seus filhos representariam seu cotidiano em frente às câmeras interpretando seus próprios papéis. As cenas seriam filmadas nos locais reais e com os participantes reais (não-profissionais) da história.
Dois anos depois, com o roteiro pronto, começam as filmagens, mas um conflito na região, envolvendo policiais, funcionários de uma usina e camponeses, resultou na morte de 11 pessoas e a ocupação da região. As filmagens são então transferidas para o Engenho da Galiléia (PE) - onde havia surgido a primeira liga camponesa do Brasil. Os atores eram escolhidos entre os camponeses locais. Dos antigos atores, só Elizabeth interpretaria ela mesma.
Mas as filmagens são novamente interrompidas quando, logo após o golpe militar de 64, militares invadem o local a procura de “subversivos” e o equipamento de filmagem, um “vasto material subversivo (...), filmes para a formação agitadora dos camponeses” (como foi veiculado na imprensa) é todo apreendido. Porém, parte do material filmado já havia sido enviado para o laboratório no RJ o que permitiu que fosse recuperado posteriormente. Alguns membros da equipe foram presos e outros se esconderam na mata, fugindo no dia seguinte.
A partir daí, com o controle do país nas mãos dos militares era impossível realizar qualquer filmagem, qualquer agitação popular era considerada subversão. Os profissionais que trabalhavam no filme são obrigados a fugir, Elizabeth Teixeira vira Marta Maria da Costa e foge com o filho Carlos para uma cidade do Rio Grande do Norte e seus filhos se dispersam pelo país como refugiados e são criados por parentes.
Com a abertura política comandada pelo General Figueiredo, 17 anos depois, Coutinho volta aos mesmos locais numa tentativa de reencontrar seus personagens. Desta vez não há roteiro, há a curiosidade de saber o que aconteceu com as pessoas, projetar as imagens que haviam sido filmadas na época e a intenção de retomar o projeto. Assim, inicialmente, ele faz um filme sobre o filme interrompido (que era uma ficção baseada em fatos reais), em que ele ao mesmo tempo em que conduz a história, é um dos seus personagens, conversa com a equipe e com os personagens: participa dos dois lados da história, na frente e por trás das câmeras.
O primeiro local a ser visitado é Galiléia, o diretor reencontra os camponeses, conversa, quer saber do que eles lembram – e nós acompanhamos todo o trajeto. À noite, são projetadas as imagens que haviam sido filmadas e salvas e o que mais chama a atenção dos moradores é o fato de se reconhecerem na tela mais jovens.
Depois o diretor sai em busca de Elizabeth e seus filhos. Abraão (o mais velho) conduz a equipe até Elizabeth que, ao virar Marta, tenta recomeçar sua vida, mas nunca esquecendo a eterna luta pelos direitos dos trabalhadores. Depois da retomada do filme, de concordar a ser filmada, volta a ser Elizabeth, sai da clandestinidade e reencontra alguns de seus filhos. E nós acompanhamos tudo isso pelas lentes da câmera – o filme que interfere na realidade. Como observa Avellar, o filme é “...uma ficção com vontade de ser documentário, um documentário com vontade de ser ficção.”
Depois do inesperado reencontro, conversa com Coutinho e vai contando a história da sua vida. Fala do filho de 11 anos que levou um tiro três meses depois do pai ser assassinado, a filha que oito meses depois se suicida - sendo este um dos momentos mais carregados dramaticamente no filme. No primeiro dia foi a surpresa, ela fala do passado, relembra o sofrimento no dia da morte de João Pedro. No dia seguinte, ela reconhece que se emocionou e “não falou direito” e então relembra desde o começo de como conheceu João Pedro até sua trajetória política.
Outro depoimento marcante é o de João Mariano (que interpretaria João Pedro no filme de 64) ele era o único que não pertencia ao Engenho da Galiléia e não tinha participação no movimento camponês mas, como estava sem trabalho, acabou entrando no filme e logo se identificou com a história de João Pedro, pois também se encontrava ameaçado de morte. Logo no começo da entrevista, Coutinho comenta que o vento pode estar atrapalhando o áudio e à interrupção do diretor segue-se o silêncio de João Mariano, como se hesitasse em falar, mas depois de um silêncio, ele começa a falar de sua experiência com o filme.
Há os depoimentos dos filhos: Manoel (que estava com o avô) apesar de não ter lembranças da família, nem fotografias, refez o túmulo do pai que havia sido destruído. O filho (José Eudes) conta que nem sequer chegou a conhecer alguns irmãos, mas que sempre pensa na família em tudo que aconteceu.
Assim, o filme de 84 vai buscar na memória de seus personagens de 64 os fatos da época, as lembranças de tudo que aconteceu e deixou marcas permanentes na vida de cada um. Se, a princípio, os fatos seriam reconstituídos em forma de ficção, agora são reconstituídos através da memória. Os depoimentos dos personagens que recontam o passado são entrecortados pelas imagens que puderam ser salvas em 64.
O filme de Coutinho além de retratar uma história – ou um período histórico – também sofreu suas conseqüências e foi alvo das injustiças da época, ele mesmo fazendo parte da história que conta.
Os assassinos de João Pedro foram descobertos: dois soldados da polícia militar e um funcionário de fazendeiro. O mandante era latifundiário e, ao assumir uma cadeira na Assembléia Legislativa ganhou impunidade. Um deputado e quatro suplentes renunciaram para permitir a sua posse, encerrando o processo. Os executores foram julgados e absolvidos jogando mais um caso na impunidade.
No final do filme, em sua última fala, Elizabeth denuncia: “A luta não para. A mesma necessidade de 64 está traçada (...) do operário, do homem do campo. A luta não pode parar. Enquanto existir fome e salário de miséria o povo tem que lutar (...). É preciso mudar o regime, a democracia (...) democracia sem liberdade? Democracia com salário de miséria? Democracia como filho do operário sem direito de estudar?” É o retrato de uma realidade registrada há 24 anos e que, infelizmente, permanece atual.

por Nayara Tognere.

Exibição
Quinta-Feira 2 de outubro de 2008, às 19 horas
Casa da Memória
Rua 25 de Março, Centro.

Ferreira Gullar

2008-09-29T11:28:00.000-03:00

"João Boa Morte Cabra Marcado para Morrer" de Ferreira Gullar.

Essa guerra do Nordeste
não mata quem é doutor.
Não mata dono de engenho,
só mata cabra da peste,
só mata o trabalhador.
O dono de engenho engorda,
vira logo senador.

Não faz um ano que os homens
que trabalham na fazenda
do Coronel Benedito
tiveram com ele atrito
devido ao preço da venda.
O preço do ano passado
já era baixo e no entanto
o coronel não quis dar
o novo preço ajustado.

João e seus companheiros
não gostaram da proeza:
se o novo preço não dava
para garantir a mesa,
aceitar preço mais baixo
já era muita fraqueza.
"Não vamos voltar atrás.
Precisamos de dinheiro.
Se o coronel não quer dar mais,
vendemos nosso produto
para outro fazendeiro."

Com o coronel foram ter.
Mas quando comunicaram
que a outro iam vender
o cereal que plantaram,
o coronel respondeu:
"Ainda está pra nascer
um cabra pra fazer isso.
Aquele que se atrever
pode rezar, vai morrer,
vai tomar chá de sumiço".

Na Folha do Caparaó Sul

2008-09-28T23:49:00.000-03:00

A Folha do Caparaó Sul publicou na edição desta semana uma matéria sobre o Cineclube Jece Valadão. Confira a matéria abaixo.

Dia Internacional da Animação

2008-09-26T14:34:00.000-03:00

Dia 28 de Outubro é o Dia Internacional da Animação. São mais de 150 cidades cadastradas para exibições de curtas-metragens nacionais e internacionais em todo o país. Mais informações aqui.

vinheta

Sobre Almodóvar e Volver

2008-09-21T21:59:00.000-03:00

Matéria publicada pela Revista Paisà #5 sobre Pedro Almodóvar.

clique nas imagens acima para ler a matéria

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Exibição
Quinta-Feira 26 de setembro de 2008, às 19 horas
Casa da Memória
Rua 25 de Março, Centro.

São Paulo Sociedade Anônima

2008-09-17T11:15:00.000-03:00

Luis Sergio Person, 1965

São Paulo Sociedade Anônima surge fácil em qualquer lista de melhores filmes brasileiros. Trata-se do primeiro filme de Luis Sergio Person a ser exibido nos cinemas, embora seu primeiro trabalho a ser filmado tenha sido “Marido Barra Limpa”.
O filme se passa entre os anos de 1957 a 1961, período de euforia desenvolvimentista: o governo de J.K. incentivando a instalação de indústrias estrangeiras no Brasil. E também o período entre os 25 e 30 anos da vida do protagonista Carlos, interpretado por Walmor Chagas. Logo no primeiro plano, sente-se a opressão de uma cidade como São Paulo sobre as pessoas: durante a briga entre Carlos e Luciana (Eva Wilma), os vidros da varanda impedem que se ouça as vozes, mas refletem os prédios em volta. Não há como fugir deles quando se está em São Paulo. Eles são o reflexo dos vidros e a paisagem das janelas.
Seguem-se os créditos que mesclam a música de Claudio Petraglia a imagens de São Paulo. O que vemos depois são flashbacks de Carlos que, após abandonar a esposa, caminha sem rumo pelas ruas de São Paulo. A narrativa é não-linear, a montagem de Glauco Mirko Laurelli faz com que tudo ocorra em fluxo de consciência, à maneira do Resnais de “O ano passado em Marienbad”. Carlos vai relembrando fatos do passado, lembranças de mulheres com as quais se envolveu, como Ana (Darlene Gloria) e Hilda (Ana Esmeralda).
A primeira, representação do amor carnal, era uma modelo interessa somente por homens ricos. Ana deseja lanchas, jantares e é criticada por isso. A segunda é cheia de desejos e ansiedades que no fundo só servem para esconder o vazio dentro dela, escondendo em festas suas frustrações e carências. Das mulheres com que se envolve, só Hilda não fala em dinheiro, embora também goste do conforto. Luciana deixa claro logo na noite em que é pedida em casamento que faz questão de viver em boas condições financeiras.
Na manhã de ano novo, depois de ter estado em festas lotadas de gente e ter se isolado em cantos (Carlos se mostra um solitário, não vemos presença de sua família ou amigos, só as mulheres com as quais se envolve) ele se dirige ébrio à casa de Luciana e, enquanto grita seu nome, fala em “recomeçar tudo em ordem”. A ordem que mais falta na rotina caótica do paulistano. As frases tem de ser repetidas várias vezes numa tentativa de torná-las reais.
Carlos não se mostra muito superior a nenhuma de suas mulheres. Sempre introspectivo, carrancudo, mau-humorado e resmungando, acaba se casando com Luciana “por cansaço”, “por preguiça de procurar algo melhor”. O casamento acaba sendo pra ele o equivalente ao emprego. Vai deixando que as coisas aconteçam como elas parecem predestinadas a ser, progredindo e se estabilizando e vivendo o que a ele foi destinado, assim como a todos os jovens da classe média.
Trabalhando com Arturo Carrari (Otelo Zelloni) tem a chance de prosseguir e progredir, ganhando cada vez mais dinheiro, mesmo que não seja do modo mais honesto – na base do sorriso, da camaradagem, nos “contatos”, regras são burladas, leis não são cumpridas, os trabalhadores não são registrados e assim a fábrica (ou o Brasil) cresce. Arturo é a representação daqueles empresários investindo no Brasil, sempre repetindo “Brasil o país do futuro” e recusando-se a dirigir o carro nacional.
A vida é baseada em trabalho. As máquinas nas fábricas da Volkswagen não permitem esquecer. A rotina conduz ao tédio e tornam sua angustia e frustração crescentes. A busca incessante pelo dinheiro que, aparentemente, move os paulistanos, é o que Carlos mais despreza, a ponto de xingar a esposa por tentar fazer com que ele cresça na empresa (sendo este, o ápice do que Carlos podia suportar). Um moralismo contestador dentro dele não aceita que Luciana faça propostas em seu nome para crescer financeiramente - já que ele próprio luta contra tudo isso.
Aparentemente, um pouco hipócrita, já que ele é parte a burguesia. Quer se livrar disso, mas não consegue, afinal, ele também precisa de dinheiro. Nada disso no entanto, tira o carisma do personagem, nem seu constante mau-humor que, no fundo, representa a angustia de uma classe média vivendo no caos de uma cidade como São Paulo.
Depois de sua fuga frustrada, dirigindo até a Serra do Mar, acaba voltando para as mesmas pessoas, os mesmos prédios, as mesmas placas, os mesmos carros, para o eterno “recomeçar...”. Carlos é – assim como os outros – impotente diante de sua revolta.
Se o cinema novo queria ser contestador, ele o fazia através da perspectiva do nordestino. Person contesta seu próprio povo, contesta o modo de viver da classe média brasileira, dentro de sua própria cidade. Representando a crise da burguesia, conseguiu registrar em imagens a atmosfera de São Paulo e o drama existencial da classe média que persegue o dinheiro e é encurralada pelo concreto.

por Nayara Tognere.

Exibição
Quinta-Feira 18 de setembro de 2008, às 19 horas
Casa da Memória
Rua 25 de Março, Centro.

Cachoeiro, em Três Tons

2008-09-14T11:41:00.000-03:00

Realizou-se nesse sábado (13/9) na Casa da Memória a cerimônia em que Luiz Trevisan exibiu e doou ao acervo do Cineclube Jece Valadão uma cópia de Cachoeiro, em Três Tons, documentário de 1994 dirigido por Cloves Mendes e com roteiro de Trevisan sobre vida e obra do maestro Raul Gonçalves Sampaio, do compositor Raul Sampaio Cocco e do cantor e compositor Sérgio Sampaio.
Trevisan disse antes da exibição que busca auxílio para a restauração e remasterização de Cachoeiro... pois o material original encontra-se desgastado . E disse contar com uma grande quantidade de horas de vídeo que não entraram na edição final do documentário, e que estas poderiam ser aproveitadas como um possível making-off.

Pequena Mostra de Curtas

2008-09-09T17:17:00.000-03:00

Afim de divulgar e salientar o curta-metragem nacional, a Secretaria de Arte e Cultura através do Cineclube Jece Valadão lança em última hora, uma Pequena Mostra de Curtas, que acontecerá na Casa da Memória a partir de hoje (8/09) até quarta-feira (10/09) às 18h, sempre apresentando 3 curtas por dia. Entrada franca. A Casa da Memória está localizada na rua 25 de março, Centro.

Conto com a presença de todos e boa sessão!

Obs: Após as exibições de terça-feira haverá a reunião do ENCUCA (Encontro Cultural Cachoeiro).

Villinevy Koppe Robbi
Gerente de Centros Culturais
Secretaria Municipal de Arte e Cultura

Programação

Segunda-Feira, dia 8 de Setembro
Ô Xente Pois Não, de Joaquim Assis.
(PE/RJ, 1973, DOC, COR, 35MM, MONO, 22')
Ilha das Flores, de Jorge Furtado.
(RS, 1989, DOC, COR, 35MM, MONO, 12')
Brasília: Contradições de uma Cidade Nova, de Joaquim Pedro de Andrade.
(DF/RJ, 1967, DOC, COR, 35MM, DOLBY DIGITAL, 23')

Terça-Feira, dia 9 de Setembro
Aruanda, de Linduarte Noronha.
(PB, 1960, DOC, PB, 35MM, MONO, 22')
A Velha a Fiar, de Humberto Mauro.
(RJ, 1964, FIC, PB, 35MM, MONO, 6')
Cenas de Família, de Ludovico Persici.
(ES, 1926, DOC, PB)

Quarta-Feira, dia 10 de Setembro
Graçanaã, de Luiz Tadeu Teixeira.
(ES, FIC, COR)
Baseado em Fatos Reais, de Bruno Bini.
(MT, 2001, FIC, COR, 35MM, DOLBY DIGITAL, 17')
Balaio, de Luiz Montes.
(SP, 2004, FIC, COR, 35MM, DOLBY DIGITAL, 10')

Desculpas

2008-09-05T10:46:00.000-03:00

O Cineclube Jece Valadão agradece aos presentes na exibição de ontem (4/09) e pede desculpas por não ter exibido os filmes divulgados (“Noite e neblina” e “O ano passado em Marienbad”). Devido a problemas técnicos a exibição ficou comprometida mas, em respeito aos que demonstraram interesse em assistir aos filmes divulgados, transferimos a exibição dos mesmos para a próxima quinta-feira dia 11/09. Mais uma vez pedimos desculpas e contamos com a presença de todos na próxima semana.

Noite e Neblina e O Ano Passado em Marienbad

2008-09-04T15:55:00.000-03:00

Nuit et Brouillard
Alain Resnais, 1955.

Noite e Neblina surgiu como uma encomenda do Comitê de História da II Guerra para lembrar os dez anos de libertação dos campos de concentração e acabou se tornando um dos documentários mais importantes (ou o mais importante) sobre o Holocausto. Embora, nas palavras de Filipe Furtado, é “menos um filme sobre o Holocausto e mais um filme a partir dele”.
Filmado na cidade de Auschwitz depois da II Guerra, mescla as bucólicas imagens dos campos abandonados com imagens de arquivo do horror a que homens, mulheres e crianças foram submetidos. Contudo, Noite e Neblina foge do documentário tradicional com entrevistas, tempo cronológico (em um filme de Resnais isso nem é tão surpreendente) e fica com as palavras de Jean Caryol - poeta e escritor sobrevivente dos campos.
O texto de Caryol tem papel fundamental. É ele que pergunta “quem é o responsável?”, é ele que elucida imagens irreconhecíveis de tão absurdas, é ele que aponta o que se vê. Quando se vê um amontoado de cabelo, a princípio não há um sentido, é um signo que precisa que uma voz diga “cabelo de mulher” para que produza algum significado. São mulheres que morreram e das quais quer se aproveitar cada parte do corpo: cabelos, ossos, pele... Nas palavras de Jacques Rancière: “o momento de diálogo entre a voz que as faz ressoar e o silêncio das imagens que mostram a ausência daquilo que as palavras dizem”.
Isso é “Noite...”, é o conjunto formado pela imagem, o texto e o som. São os travellings pelos campos onde só há mato, a voz de Michel Bouquet em off revelando o que existia ali, ressuscitando fantasmas com a música de Hans Eissler ao fundo – a melancolia e leveza contrastando com a brutalidade de tudo que se passou ali.
Se o filme começa como uma denúncia, também é uma reflexão: como homens podem fazer isso com homens? Até onde vai o limite da maldade humana? Cayrol alerta: “quem vai nos avisar da chegada de novos carrascos?”, denunciando que, apesar do tempo ter passado, todo o horror não deve ser esquecido tão facilmente. Resnais traz tudo de volta à nossa memória ruim: “Nós observamos as ruínas como se o velho monstro dos campos estivesse morto nos escombros (...) fingimos acreditar que tudo aconteceu num só tempo e num só país que não observamos as coisas ao nosso redor e não ouvimos seus gritos sem fim.”
Em 32 minutos, Resnais nos dá, segundo Truffaut “uma lição de história, inegavelmente cruel, mas merecida” e leva para o futuro uma questão que nunca deverá ser esquecida no passado.

L'Année dernière à Marienbad
Alain Resnais, 1955.

“O passado é como noesis (ato da consciência) um “agora” ao
mesmo tempo que um “não mais” como noema (o conteúdo da
consciência); o futuro um “agora” ao mesmo tempo que um
“não ainda” e, por conseguinte,não se deve dizer que o tempo
de escoa da consciência, pois ao contrário, é a consciência que,
a partir de agora, desdobra ou constitui o tempo. E se desdobrando
a partir do seu agora, a consciência é então contemporânea de todos
os tempos, é uma consciência atemporal.” (Lyotard 1967, p 98)

Um luxuoso hotel, repleto de amplos salões, corredores imensos, escadarias e estátuas. Assim é Marienbad. Onde travellings percorrendo a paisagem arquitetônica nos levam a um homem (denominado “X”) que tenta lembrar uma mulher casada (“A”) que eles tiveram um caso em Marienbad.
O texto desta vez é de Allain Robbe-Grillet um dos expoentes do chamado Nouveau Roman (novo romance), movimento que tem como base a fenomenologia de Husserl, Merleau-Ponty e Heidegger e como algumas de suas características a descrição e o desejo de acabar com a dicotomia forma-conteúdo, sendo assim uma crítica à estrutura tradicional dos romances.
Voltando ao “labirinto da memória” de Resnais, o que temos são peças de um quebra-cabeça que é inicialmente desmontado e pouco a pouco nos são dadas as peças ( o que não significa necessariamente que facilite as coisas). O tempo não só não é cronológico, o tempo não existe em Marienbad. Personagens estão ali e logo depois não estão, os diálogos são entrecortados, as vozes vem e vão e não se sabe ao certo quem as pronunciou, há raccords de movimento e a montagem paralela que possui papel fundamental na constituição do tempo (ou na ausência dele).
Todo o filme são dicotomias: ficção-realidade, real-imaginário, diálogos-monólogos, construção-desconstrução. Não sabemos se estamos diante de pessoas-estátuas ou estátuas-humanas. Mas isso não importa no momento em que se assiste o filme, já que estamos presos em algum ponto entre o passado e o presente.
A e X às vezes entram em sintonia mas tudo é ligado por uma linha muito tênue (a memória). A está sempre pedindo explicações (nomes, lugares, porquês...), explicações que para X não tem a menor importância (o Nouveau Roman contestando o romance tradicional).
Nos momentos de entrega de A, suas lembranças vão surgindo através de descrições de detalhes fornecidos por X. Observe-se aqui mais uma influência da literatura: em Proust há o famoso episódio das madeleines mergulhadas no chá cujo sabor evoca lembranças passadas. A narrativa não-linear faz com que tudo seja lembrado em fluxo de consciência – as experiências de Joyce ou Faulkner na literatura são vistas na tela de Resnais.
Foi tudo um sonho? É real? Imaginação do homem? Imaginação da mulher? Desde Hiroshima, Mon amour, Resnais já realizava reflexões sobre a memória. E enquanto nos perdemos entre espelhos e labirintos já nem importa mais saber o que de fato aconteceu no ano passado em Marienbad.

por Nayara Tognere.

Exibição
Quinta-Feira 4 de setembro de 2008, às 19 horas
Casa da Memória
Rua 25 de Março, Centro.

Na Imprensa

2008-09-04T15:35:00.000-03:00

A Gazeta, o Espírito Santo de Fato e a Folha do Espírito Santo publicaram matérias sobre a exibição desta quinta-feira (4/09) de Noite e Neblina e O Ano Passado em Marienbad (ambos do diretor francês Alain Resnais) promovida pelo Cineclube Jece Valadão às 19 horas, na Casa da Memória.

Confira aqui a matéria na Folhaes Online. Aqui a matéria da Gazeta on-line. E Abaixo a matéria do ES de Fato.